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16 de enero de 2015
EL OSCAR 2015 SE ESCRIBE CON B

¿“Boyhood”, “Birdman” o “Budapest”? Una pregunta que repetiremos constantemente hasta la llegada de la noche del Domingo 22 de Febrero cuando el contenido de un sobre perfectamente lacrado anuncie el nombre del ganador de la 87 edición de los Premios Oscar. 

Tres películas que comparten protagonismo en su título para esta primera consonante del abecedario y que parten como grandes favoritas a disputarse la ansiada estatuilla cinematográfica. Tres películas con sello de autor, fácilmente identificables por sí mismas y con propuestas singulares que tendrán que vérselas con tres títulos situados en sus antípodas, representantes de la parte más convencional del séptimo arte y de su género con menor tendencia al riesgo, el biopic. “The Imitation Game”, “Selma” y “La teoría del todo”. 

En mitad de estos dos bandos claramente distanciados y enfrentados encontramos sendos títulos que irán a la guerra por su cuenta, “El Francotirador”, del inagotable Clint Eastwood y “Whiplash”, del casi debutante Damien Chazelle, cintas que contienen, no obstante, ciertos rasgos que podrían decantarles perfectamente hacía un lado u otro de esa balanza oscarizable. 
Todas ellas conforman el grupo de 8 películas (y no 9 ni 10) que la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha seleccionado este año para competir en la categoría reina de sus premios. 

“El Gran Hotel Budapest” y “Birdman o la inesperada virtud de la ignorancia” comparten el mayor número de candidaturas (9), estableciéndose así como las verdaderas rivales de la película escrita y dirigida a lo largo de doce años por Richard Linklater, “Boyhood” cuyas 6 nominaciones la hacen tan fuerte como la importante cantidad de menciones y galardones previos conseguidos en su carrera hacía el Oscar. No parece que, a día de hoy, nadie pueda arrebatarle el Oscar a la cinta de Linklater, pero cosas más extrañas hemos visto en esto del “camino al Oscar” y si no, que se lo pregunten a David Fincher y su “Red Social”. 

Un David Fincher que, precisamente, es uno de los grandes ausentes de estas nominaciones que dieron a conocer sus colegas de profesión, J.J.Abrams y Alfonso Cuarón y el actor Chris Pine. Su adaptación a la gran pantalla de la novela de Gillian Flynn, “Perdida” ha brillado por su ausencia en categorías como las de Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía, Banda Sonora o Dirección, teniendo que conformarse con la única nominación a Mejor Actriz de la pérfida Rosamund Pike, premio que difícilmente podrá ganar, puesto que Julianne Moore (por “Still Alice”) es de esas candidatas en su oportunidad idónea para que la Academia le recompense con el Oscar que en varias ocasiones le ha negado (hasta 4 veces). Felicity Jones por “La teoría del todo”, Reese Witherspoon por “Alma salvaje” y la presencia sorpresa de Marion Cotillard por la belga “Dos días, una noche”, también deberán aguardar en caso de que Moore no sea nombrada como Mejor Actriz. 

Hablando de ausencias, todavía no nos explicamos dos de ellas. La de Ralph Fiennes y su excéntrico pero exquisito Monsieur Gustave de “El Gran Hotel Budapest”, una composición interpretativa tan luminosa y especial como la de la propia película de Wes Anderson, y que ha visto como su hueco en la categoría de Mejor Actor es ocupado por Bradley Cooper (“El Francotirador”) por tercera vez consecutiva nominado tras “El lado bueno de las cosas” y “La gran estafa americana” o bien por Steve Carrell que debuta en esto de los Oscar, por demostrar entereza a la hora de llevar una prótesis nasal en “Foxcatcher”. Lástima, pues el trabajo de Fiennes era mayúsculo y sus dos nominaciones a los Oscar hasta la fecha se habían saldado con derrota a pesar de haber sido por dos películas rotundamente triunfadoras (“La lista de Schindler” y “El paciente inglés”). 

La otra omisión es la de un montaje que no por invisible es menos notable. El trabajo de Douglas Crise y Stephen Mirrione para “Birdman”, película estructurada en un largo y falso plano secuencia de 2 horas de duración que conlleva una labor de edición que debe, a diferencia de la amplia mayoría de títulos a competición, camuflarse antes que hacerse notar. Habrá quien considere esa transparencia como una carencia del montaje, como así ha hecho la Academia, pero sin embargo, el gremio de editores de Hollywood, el más veterano de la industria, sí que ha reconocido su valía. Mala noticia para la película de Alejandro González Iñárritu ya que rara vez una cinta que no está nominada en Mejor Montaje acaba ganando el premio a la Mejor Película. Hay que remontarse a los Oscar del año 1981 con “Gente Corriente” de Robert Redford, para encontrar la última vez que esto ocurrió. Por cierto, las nominadas a Mejor Montaje son “Boyhood”, “El Gran Hotel Budapest”, “The Imitation Game”, “Whiplash” y “El Francotirador”.

Hay más ausencias, claro. “Interstellar” del poco querido por la Academia, Christopher Nolan, merecía algo más que las 5 candidaturas meramente técnicas que ha logrado, de entre las cuales destaca la de la épica y abrumadora música de Hans Zimmer. “La Lego película” cierra una mala semana tras perder el Globo de Oro siendo ignorada en la categoría de Mejor Película Animada, en favor de “Songs of the sea”, la japonesa de la factoría Ghibli, “El cuento de la princesa Kaguya”, “Los Boxtrolls”, “Como entrenar a tu dragón 2” y “Big Hero 6”. La películas de las piezas animadas tendrá que conformarse con la única nominación a su canción “Everything is Awesome”. 

“Foxcatcher” a pesar de contar con su guión, su dirección (Bennet Miller, ya nominado por “Capote”) y dos de sus actores (Steve Carrell y Mark Ruffalo) nominados, no figura, sorprendentemente entre las candidatas a Mejor Película cuando si lo hace “Selma” que sólo tiene 2 nominaciones; canción y película, suficientes motivos para entender la poderosa mano que tiene Oprah Winfrey en Hollyood. Jessica Chastain por “A Most Violent Year” (película que se ha quedado sin nominaciones), Miles Teller por "Whiplash", Timothy Spall, premiado en Cannes por “Mr. Turner” (4 nominaciones para ella) o Jake Gyllenhaal por “Nightcrawler” (una única nominación a Mejor Guión Original), son algunas de los olvidos más destacados de esta edición. 

Pero olvidémonos de los olvidados y centrémonos en aquellos que están para descubrir detalles interesantes.
Alejandro González Iñárritu por “Birdman”, Richard Linklater por “Boyhood” y Wes Anderson por “El Gran Hotel Budapest” tienen 3 nominaciones cada uno como directores, productores y escritores de sus respectivas películas. Bennet Miller por “Foxcatcher” y Morten Tydlum por “The Imitation Game (Descifrando Enigma)” completan el quinteto de directores nominados. El noruego Tydlum del cual no se ve ni un rastro distintivo en su trabajo, está en esa lista casi por imposición de Harvey Weinstein, verdadero artífice de que la película sobre la vida de Alan Turing que casi no cuenta nada de Alan Turing tenga la friolera de 8 nominaciones al Oscar. Las más justas, la interpretativa de Benedith Cumberbatch, actor al alza que puede hacerle sombra a la colosal actuación del resucitado Michael Keaton en “Birdman” y al entregado trabajo de Eddie Redmayne en “La teoría del todo” (película que cuenta con 5 candidaturas), y la musical de Alexandre Desplat, que consigue la séptima y octava nominación de su carrera al estar doblemente nominado por la citada “The Imitation Game” y también por “El Gran Hotel Budapest”. Un Oscar que está pidiendo a gritos irse a las estanterías del compositor francés, para lo cual tendrá que derrotar a Zimmer, a Johan Johannsen por “La teoría del todo” y la sorpresa de esta categoría, el británico Gary Yershon por “Mr.Turner”.
La que nunca falla es Meryl Streep. Su nominación es casi un decreto y no hay edición que no cuente con su emblemática figura en el patio de butacas esperando a escuchar su nombre. Su nominación en la categoría de Mejor Actriz Secundaria es una de las tres candidaturas del musical “Into the Woods” (las otras son Mejor Diseño de producción y Diseño de Vestuario). Es su decimonovena nominación y la actriz más veterana (65 años) de esta edición. Mientras, el actor más veterano nominado, no sólo de esta edición, también de toda la historia de estos premios, es Robert Duvall, que con 84 años recibe la séptima nominación de su carrera como Mejor Actor Secundario por “El Juez”. En ambas categorías de reparto, tanto Streep como Duvall poco tienen que hacer frente a Patricia Arquette (“Boyhood”) y el disciplinado J.K. Simmons ("Whiplash"), más que probables triunfadores en estos apartados. Keira Knightley por “The Imitation Game (Descifrando Enigma)”, Emma Stone por “Birdman” y la inesperada presencia de Laura Dern por “Alma salvaje”, completan el quinteto de nominadas de reparto. Ethan Hawke por “Boyhood”, Edward Norton por “Birdman” y Mark Ruffalo por “Foxcatcher” hacen lo propio en el plano masculino. 

Otras apariciones imprevistas en la lectura de nominadas de esta 87 edición de los Oscar fueron; la fotografía en Blanco y Negro de la polaca “Ida”, el guión adaptado de Paul Thomas Anderson para “Puro Vicio” o la argentina-española “Relatos Salvajes” en Mejor Película de Habla No Inglesa. 

Con más de un mes por delante en el que los nominados ganarán o perderán puestos en la carrera hacía el premio, “Boyhood” se presenta a día de hoy como la rival a batir. El próximo 22 de Febrero desde el Dolby Theatre de Los Ángeles en una ceremonia presentada por primera vez por Neil Patrick Harris y producida por Craig Zadan y Neil Meron saldremos de toda duda.
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28 de diciembre de 2014
TOP 10 MEJORES PELÍCULAS 2014

01. A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS

Los Hnos. Coen escribieron un hermoso aunque aciago personaje para una película fundamental sobre el fracaso. Llewyn Davis, talentoso músico folk en pleno Greenwich de los años 60 pasa de poder ser Bob Dylan a dar tumbos por encontrar un sofa donde dormir y un abrigo con el que resguardarse del frío invernal. Un melancólico caminar en círculo con la intención ser oído y la frustación de ser ignorado que hacen de Davis un tipo antipático a ojos del espectador pero también en alguien de quien apiadarnos por su escasa fortuna. Porque estamos hartos de ver películas de triunfadores pero no de gente que no lo consigue y que, sin embargo, no ceja en el intento, por su catálogo de inspiradas canciones folk, el uso bellisimo de la luz por parte del director de fotografía Bruno Delbonnell o la interpretación sobria de Oscar Isaac, consideramos a “A propósito Llewyn Davis” como una de las grandes obras en la carrera de los Coen, injustamente olvidada en festivales y premios del año, algo que, paradójicamente, se ajusta a la perfección en el halo infausto que transmite la historia del triste cantautor. 
 02. EL LOBO DE WALL STREET

 La historia real de Jordan Belfort, broker indómito, extraordinario sinverguenza, algo así como una extensión amplificada del impostor Frank Abagnale Jr. que el propio Leo diCaprio interpretó en “Atrápame si puedes”, sirvió a Martin Scorsese para componer, a sus 72 años, su película más furiosa, salvaje y arrolladora. Un carrusel de monólogos que rompen la cuarta pared, de aceleraciones y deceleraciones de cámara, imágenes congeladas, voces en off y lujuriosos planos secuencia la convierten en heredera directa de “Uno de los nuestros” y “Casino” más allá de sus amplias similitudes argumentales. “El lobo de Wall Street” es toda una oda al caradura de ascenso vertiginoso, métodos abiertamente ilícitos y feroz asimilación del poder manifiestado en un desmadrado e indiscreto uso del dinero. Un Scorsese, con todavía ganas de pegarse la juerga definitiva y que ha encontrado en Di Caprio a su mejor compañero de batallas. Un glorioso exceso en todos los sentidos.
03. EL GRAN HOTEL BUDAPEST

Todo lo que hay tras la deslumbrante fachada de este hotel de los líos es emocionante y extraordinario. Su brillante alegoría de los últimos días de resplandor de la Europa Central. Su desfile de rostros familiares para el espectador. Su alta inspiración cómica. Su naturaleza de fábula narrada en distintos tiempos. Su carácter novelesco y aventurero (hay cárceles, trenes, investigaciones, intrigas, persecuciones, etc). Su grandioso diseño de producción, su juguetona banda sonora y su magnífica puesta en escena. Y un Ralph Fiennes colosal. “El Gran Hotel Budapest” es una de las más experiencias más arrolladoras, festivas, luminosas y completas del cine reciente y probablemente la película más redonda del universo siempre particular de Wes Anderson.
 04. NEBRASKA

A veces, nuestros mayores, se embarcan en odiseas que sólo ellos parecen entender, como la que emprendía por carretera en un minúsculo tractor Richard Farnsworth para ver a su hermano enfermo en “Una historia verdadera” o la más surrealista que mueve a Bruce Dern en “Nebraska”; viajar para recoger el premio de 1 millón de dólares que ha ganado según una carta recibida en su correo. A partir de esa premisa, en un nostálgico blanco y negro y con la sensibilidad especial que caracteriza a éste director, Alexander Payne logra una de sus mejores películas, llena de humor costumbrista y de drama humano de reencuentro personal, de reflexión sobre el paso del tiempo y la memoria. Un Bruce Dern inconmensurable acompañado por la veterana actriz June Squibb, auténtica robaescenas de la película terminan de hacer gigantesco el guión de Bob Nelson y de convertir a “Nebraska” en uno de los trabajos más entrañables de todo el cine del 2014. 
 05. INTERSTELLAR

Siempre ambicioso y en tela de juicio, el responsable de títulos como “Memento”, “El truco final” o la saga de “El Caballero Oscuro”, Christopher Nolan, se decantó en esta ocasión la ciencia-ficción dura y asesorado por el astrofísico Kip Thorne se embarcó en una compleja propuesta espacial, entendiendo que su exigente argumento científico a ojos del espectador debía ser compensado con un motivo emocional. De ahí, el carácter casi ochentero de “Interstellar”, con los ecos evidentes del cine Spielberg, Zemeckis o Shyamalan que preparan el posterior salto al infinito llevado a cabo por Matthew McConaughey y compañía. O lo que es lo mismo, la búsqueda de la supervivencia del planeta Tierra provocada por una pelirroja e inocente niña. El resultado es un compendio apasionante, apoteósico y sensible, también riguroso, capaz de fascinar la mente, al retina y el corazón del espectador y la obra más grandiosa de la filmografía de Nolan. 
06. SNOWPIERCER. ROMPENIEVES

El calentamiento global destruyó la Tierra y a sus habitantes, con una única excepción, los pasajeros de un largo e inagotable tren llamado “Rompenieves” en el cual se generará un ecosistema propio donde serán evidentes las diferencias de clases, la cadena de superviviencia preestablecida y la inevitable rebelión de los más desfavorecidos. Una alegoría de nuestro tiempo en forma de título post-apocalíptico con la que el director sudcoreano Bong Joon-ho de títulos como “Memories of Murder” o “The Host” da el salto a Hollywood para lucirse visual y narrativamente con una cinta distópica con visos de culto y que depara estimulantes sorpresas con cada vagón del “Rompenieves” visitado. 
 07. ORÍGENES

"Orígenes" parte de la biología molecular, el estudio del ojo humano y de un casual “chico conoce a chica” para componer una historia sensible y emocionante, como ya lo era la anterior cinta de su director, Mike Cahill, "Otra Tierra", con la que comparte además un estilo indie depurado y elegante, la excusa de un hilo conductor de ciencia-ficción como medio para contar una preciosa historia de amor con giro argumental descorazonador incluido. La gran virtud de Cahill es no solo saber integrar con solvencia y naturalidad ambos géneros con temas eternamente discutidos como ciencia, fe, religión o azar, sino también ser emotivo en sus intenciones. “Orígenes” funciona plenamente en su romance, su drama y en su mirada fantástica. Puede ser tachada de cursi o de new age pero si medimos las películas que pudimos ver en el pasado Festival de Sitges por los sentimientos provocados, “Orígenes” se lleva la palma, como así ocurrió, ganando el premio del jurado a la Mejor Película de la Sección Oficial. 
08. LA ISLA MÍNIMA

El director sevillano Alberto Rodríguez llegó para descubrirnos las marismas andaluzas como localización perfecta para generar una atmósfera perturbadora, pantanosa y pegajosa deudora de los thrillers norteamericanos ambientados en Louisiana y el Mississipi. “La isla mínima” es probablemente la película española que mejor ha sabido convertir su entorno geográfico en un protagonista más de su narración de género. Un thiller sureño que indaga en las razones sociales, locales y políticas del asesinato de una joven en plena transición española, al tiempo que construye un intrincada investigación policial por medio de dos agentes fuera de su entorno y condenados a entenderse. La crónica negra de un país de capataces, señoritos, cortijos, machismo, falsas ilusiones de futuro y analfabetismo en forma de un policiaco extraordinario para nuestro cine. 
 09. BEGIN AGAIN

Tras obtener un gran éxito con “Once” hasta convertir aquella humilde historia de amor musical en una obra representada en el mismisimo Broadway, John Carney repitió la fórmula con “Begin Again” en donde el salto a Hollywood y el inevitable aumento de presupuesto no corrompió la sensibilidad del director irlandés a la hora de retratar la íntima historia de dos personajes solitarios y vencidos con la música como nexo de unión y medio de superación personal. La buena química entre la pareja Knightley y Ruffalo, un encantador manejo de los secundarios en la tradición de la mejor comedia romántica británica ,la condicion de fábula sobre las segundas oportunidades y un catálogo de canciones muy efectivas imprimen a “Begin Again” un espíritu contagioso y positivo que alegrará el día del espectador. Solo la etílica secuencia en la que Ruffalo imagina los arreglos de la canción que solitariamente intrepreta Keira en un pub neoyorkino bien vale para justificar el precio de la entrada. 
10. GUARDIANES DE LA GALAXIA

Más de 330 millones de dólares recaudados en EEUU y casi 800 en todo el mundo vuelven a decirnos que Marvel tiene a la gallina de los huevos de oro del cine actual. Desmarcandose de sus héroes más populares, los Vengadores, la compañía decidió rescatar a sus antihéroes, “Los guardianes de la galaxia” una cuadrilla de personajes más propensos a lo incorrecto que a lo heróico y tan diferentes entre sí como diferencias hay entre un mapache y un árbol. Marvel entendió que la torpeza y peculiaridad de este grupo de superhéroes reclamaba comedia y acción a partes equitativas y por eso encargó la dirección a James Gunn, director que había descrito a la perfección la incompetencia del superhéroe en la película “Super”. El resultado fue una space opera gamberra, divertidísima y visualmente tan espectacular como cualquier otro trabajo de la compañía y que tuvo en un casting 100% efectivo y en su apuesta por la nostalgia ochentera y musical sus mejores bazas, principalmente en la elección de Chris Pratt como héroe de acción capaz de bailar a ritmo de asombrosas recopilaciones en casettes sonando desde un walkman.
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20 de diciembre de 2014
TOP 10 MEJORES SOUNDTRACKS 2014




01. INTERSTELLAR – Hans Zimmer 


En lo más alto de nuestro TOP TEN de bandas sonoras del 2014, hemos colocado al que consideramos mejor trabajo de Hans Zimmer en años, y uno de los más completos de su carrera. Intestellar, gana en trascendencia, en su aspecto filosófico y metafísico, en su épica espacial y en su parte más familiar e íntima gracias a la colosal música del compositor alemán dominada por la fuerte presencia del órgano. Un Zimmer grandioso.

02. PERDIDA – Trent Reznor y Atticus Ross 

Segunda posición de esta lista para una de esas bandas sonoras ambientales que se funden a la perfección con las imágenes a las que ilustran musicalmente. El misterio, la cotideanidad y la calma tensa y sospechosa de un matrimonio no demasiado bien avenido y algo resentido aportados por la novela de Gillian Flynn y la adaptacion de David Fincher y la banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross en su tercera colaboracion con Fincher.

03. EL VIENTO SE LEVANTA – Joe Hisaishi 

Cerrando el podio de las mejores bandas sonoras del 2014, uno de los compositores más admirados en "El Séptimo Cielo". Lástima que “El viento se levanta” vaya a ser la última vez que Joe Hisaishi trabaje para el maestro de la animación japonesa Hayao Miyazaki, porque de su unión han salido grandes obras maestras de la música de cine como “El castillo ambulante” o “El viaje de Chihiro” entre otras. Para la despedida del cine de Miyazaki, Hisaishi volvió a una ofrecernos una deliciosa composición que volaba tan alto como el aeroplano de Jiro, protagonista de esta historia de amor a la naturaleza y al ser humano.

 04. LA VIDA INESPERADA – Federico Jusid y Lucio Godoy

Dignísima partitura deudora del mejor George Gershwin, uno de los músicos neoyorkinos más venerados de la historia de la música, y también de la música de Cine. Lo de ser neoyorkino no lo decimos por capricho, y es que la película española La vida inesperada, viajaba precisamente a la gran manzana para contarnos las andanzas de Javier Cámara y Raúl Arévalo en la inmensa ciudad de los rascacielos y de ahí que el duo formado por Federico Jusid y Lucio Godoy rememorase el estilo puramente americano de Gershwin para componer la banda sonora de esta película de españoles por el mundo.

 05. HER – Will Butler y Owen Pallett

Will Butler y Owen Pallett, dos miembros de la formacion canadiense Arcade Fire Llegamos al puesto 5 con un trabajo compuesto a cuatro manos Will Butler, miembro de la formacion canadiense Arcade Fire y uno de los colaboradores habituales de ella, Owen Pallett. Ambos debutaban en el cine de Spike Jonze captando el tono minimalista, delicado y melancolico de una de las películas más imaginativas del año. “Her” en la cual Joaquin Phoenix nos demostraba que un mundo despersonalizado era posible enamorarse de un sistema operativo diseñado para complacerte, especialmente si éste tenía la sensual voz de Scarlett Johannson, la cual,además, ponía voz al tema principal de la película.

06. EL GRAN HOTEL BUDAPEST – Alexandre Desplat 

En el puesto número 6 una partitura lúdica y brillante de un compositor francés que está en todas, y siempre con trabajos muy reseñables, Alexandre Desplat y que en Fantastic Mr.Fox ya demostró saber captar a la perfección el universo tan particular del director Wes Anderson. Para su ultima colaboración, El Gran Hotel Budapest, Desplat buscó capturar el sonido de la europa de entreguerras y para ello contrató a cerca de una treintena de músicos rusos expertos en el instrumento de cuerda más famoso del país, la balalaika. El resultado fue singular. Como el cine de Anderson.

 07. LAS DOS CARAS DE ENERO – Alberto Iglesias 

En ese intento por rememorar ambientes de suspense clásicos propios de Alfred Hitchcock llamado “Las dos caras de Enero”, lo que verdaderamente sobresalía en ella era su banda sonora, un trabajo con predominio del piano del siempre elegante músico español, Alberto Iglesias. Dirigida por Hossein Amini, adaptando la novela de Patricia Highsmith y con un triangulo amoroso y criminal muy particular, conformado por Oscar Isaac, Kirsten Dunst y Viggo Mortensen.

 08. UNDER THE SKIN – Mica Levi 

En el puesto número 8 una de las músicas más extrañamente incómodas y desasosegantes de la temporada. Prohibido escucharla aisladamente en casa, no acompañada de las imágenes a las que pone banda sonora, que no son otras que las de una de las marcianadas del año, la película de Johnathan Glazer, “Under the Skin” más comentada por sus secuencias de desnudo de Scarlett Johansson que por el efecto inquietante que crea en el espectador, que difícilmente podrá olvidar alguno de los potentes y desoncertantes momentos que contiene esta cinta. La música, repetimos, incrementa el mal rollo provocado por “Under the skin” y está compuesta por una cantautora de apenas 27 años que atiende al nombre de Mica Levi y que debuta en el cine con esta banda sonora.

 09. JOVEN Y BONITA - Phillipe Rombi

Hay algo sugerente en todas las películas del francés Francois Ozon y parte de esa sensación está provocada por la música del compositor galo Phillipe Rombi, músico habitual de Ozon y del que ya escuchamos sus bandas sonoras para títulos anteriores del director como En la casa o Swimming Pool. En esta historia de una adolescente que cambia las clases por la prostitución de un modo casi caprichoso, la música volvía a correr a cargo de Rombi y sonaba como siempre a delicadeza y a esa citada sugerencia.


10. AL ENCUENTRO DE MR.BANKS - Thomas Newman

Thomas Newman era nominado al Oscar por duodecima vez en su carrera por este trabajo que ponía música a la historia de la gestación de una de las películas familiares más populares de la historia del cine, Mary Poppins. La relación entre Walt Disney encarnado por Tom Hanks y la creadora del personaje de Mary Poppins, P.L.Travers interpretada por la británica Emma Thompson en Al encuentro de Mr.Banks.

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11 de noviembre de 2014
EL AMOR QUE MUEVE EL UNIVERSO

“El amor es lo único que trasciende el tiempo y el espacio”. Es la doctora Brand (que encarna la oscarizada Anne Hathaway) quien pronuncia, en su monólogo sobre el amor como razón de todas las cosas, estas palabras que resumen a la perfección el motor de la epopeya espacial gestada por uno de los cineastas más abiertamente títanicos, atrayentes, grandilocuentes y también controvertidos del Hollywood actual, Christopher Nolan. 

El responsable de títulos como “Memento”, “El truco final” o la saga de “El Caballero Oscuro” abraza en esta ocasión la ciencia-ficción dura y entiende que para que su compleja propuesta pueda llegar al espectador sin que este se apee en el camino debe compensar la exigencia científica formulada en su argumento con un motivo emocional que acompañe a ese viaje suicida al espacio exterior que emprende el personaje de Matthew McConaughey y compañía. 
De ahí, la explicación de todo lo que sucede en el primer acto de “Interstellar”, dominado por el melodrama paternofilial en un mundo postapocalíptico recubierto de arena. Los ecos de Spielberg, el Zemeckis de "Contact" y Shyamalan (¿quién no recuerda aquí a “Señales”?), los mismos que ya existían en la reciente “Looper”, son un declaración de intenciones por parte de los Nolan (guión firmado a cuatro manos por Christopher y su hermano Jonathan) cuyo posterior salto al infinito encuentra justificado en amparar el futuro de una modesta familia de granjeros huérfana de madre. O lo que es lo mismo, la búsqueda de la supervivencia del planeta Tierra provocada por una pelirroja e inocente niña. Una construcción argumental puramente ochentera y familiar. 

En esas labores de cabeza de familia encontramos al cada vez más importante Matthew McConaughey (Cooper), piloto e ingeniero antes que granjero y protagonista de la providencial misión espacial. Será su personaje (y nosotros con él) el que reciba todas las lecciones básicas de astrofísica y ciencia por parte de un imponente elenco de secundarios que va desde Michael Caine hasta Wes Bentley o William Devane pasando por Anne Hathaway y alguna sorpresa que no conviene desvelar. Es aquí cuando sale a relucir el Nolan como narrador más sobreexpositivo (principal vicio achacable al cine del director de “Origen”), preocupado en darnos unas cuantas nociones de teoría de la relatividad, gravedad y física cuántica. Pero, por fortuna, también el narrador empeñado en hacernos sentir la inquietud y la responsabilidad del sacrificio de la misión. De anteponer lo íntimo a lo colosal.
Eso es algo que el director británico parece conseguir plenamente en la segunda toma de contacto del personaje de Cooper con las grabaciones enviadas al espacio por su familia. Sensaciones a flor de piel. Audiencia en el bolsillo. 

A partir de ahí los agujeros negros, los agujeros de gusano, la colonización de planetas inexplorados, los robots monolíticos, las diferentes dimensiones o la paradoja de los gemelos y el envejecimiento puestos en teoría anteriormente, bien en forma de papeles agujereados o croquis improvisados en una pizarra, pasan a formar parte del mecanismo impulsor de una asombrosa y magistral odiséa espacial deudora de otros relatos del género como “Solaris” o de la tensión abismal de la reciente "Gravity", con una técnica insuperable (junto a su diseño de producción cabría destacar también la música de Hans Zimmer y la fotografía de Hoyte Van Hoytema) y en la que ya no importa tanto haber aprendido la física que da pie al relato como estar atrapado por la puesta en imágenes de esta hazaña interplanetaria que por grande que sea solo quiere decirnos que el amor es lo que mueve el universo.
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