No queremos que el 2010 nos pille con estas pintas. Estamos preparando cambios que afectarán al aspecto de "El Séptimo Cielo". Vamos a ponernos guapos. Permaneced atentos.
Lo dijo robgordon @ 17:09
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Lo dijo robgordon @ 14:05
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No ha sido frecuente que el cine español se meta entre rejas y aporte su granito de arena al subgénero carcelario. Al menos en lo que concierne a la vertiente más vibrante de este, puesto que dentro del drama social, el género nacional por excelencia, sí que se pueden enumerar ejemplos recientes de cine encarcelado tales como “Horas de luz” o “El patio de mi cárcel”.
Malamadre y el resto de los reclusos de una cárcel de máxima seguridad en Zamora se amotinan justo el día en que Juan, un nuevo funcionario de prisiones comienza a trabajar en ella. Un inesperado accidente provoca que el novato quede atrapado entre los peligrosos presos, viéndose en la obligación de hacerse pasar por uno de ellos.
Aunque “Celda 211” apunte a muchos objetivos solo dispara a uno, centrando en él todo su interés y esfuerzo; los hechos que se suceden dentro de la prisión y en especial la relación entre Malamadre y el infiltrado accidental.
Malamadre es, por tanto, quién manda. En la cárcel y en la película de Monzón, principalmente gracias al temperamental trabajo de Luis Tosar que en cada mirada, cada gesto, cada palabra de su rota voz otorga a “Celda 211” una poderosa credibilidad y fuerza. No desmerecen en absoluto sus acompañantes, donde Luis Zahera (tú tambien creiste que era un yonki tartamudo real), o Carlos Bardem se meten de lleno en sus papeles. Lógico que entre tanta bestia parda, el debutante Alberto Ammann, con un extraño acento, salga perdiendo de su enfrentamiento.
“Celda 211” es una obra áspera, decidida y visceral, de la que sólo sus flashbacks románticos entre Juan y su mujer (Marta Etura) permiten al espectador tomar un respiro entre tanta furia desatada. Monzón ha logrado la película carcelaria más pura de nuestro cine gracias a un guión muy sólido, nada efectista y lleno de bravura a la hora de tomar soluciones argumentales, amén de los personajes creados, entre los cuales Malamadre quedará con fuerza en el recuerdo colectivo. Una obra insólita en nuestro cine que conviene no dejar pasar.
Lo dijo robgordon @ 20:14
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Lo dijo robgordon @ 10:24
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Lo dijo robgordon @ 12:04
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Solo vi a Peter Sellers y a Jack Lemmon hacer lo que hacía José Luis López Vázquez; pasar con una aplastante naturalidad de la más hilarante y agitada sobreactuación (entendida ésta positivamente) a la más sobria y contenida interpretación. Que viene a ser lo que todo actor aspira a conseguir; ser el mejor cómico y a la vez el más firme actor dramático.
Hay un lamento común y repetido al recordar estos días su figura; la escasa repercusión internacional de un actor con semejantes condiciones. Esa seguridad de que López Vázquez hubiera sido tan reconocido como, por ejemplo, los dos gigantes de la interpretación citados unas líneas más arriba, a poco que se hubiese prodigado fuera de nuestro cine o a poco que Hollywood (George Cukor aparte) hubiese mirado más allá de su ombligo en aquellos años.
Sus apellidos lo delataban como producto puramente nacional. También su aspecto de funcionario de medio pelo, pequeño, alopécico y nada agraciado. Sobre su corriente figura labró unos personajes que reflejaban a la sociedad española de cada década desde los años 50. Y en ese contexto, en un cine de fronteras para adentro, a veces predominantemente popular (“El turismo es un gran invento”, “Objetivo bi-ki-ni”, “En un lugar de La Manga”) otras más intimista (“El Bosque del Lobo”, “Mi querida señorita”), Vázquez destacó como el tipo con el que cada español podía identificarse.
Sólo él podía encarnar a personajes tan autóctonos como Manolo Locúmula Verruguillo, primo de Vicenta en “¡Como está el servicio!”, Quintanilla en la navideña “Plácido”, al típico sufridor español de “El Pisito” a luchadores del sexo y libertad como Serafín Requejo en “Lo verde empieza en los Pirineos”, al hijo del Marqués de Leguineche en la saga Nacional de Berlanga y Azcona, al abnegado padrino de “La gran familia” y “La familia y uno más” o al anónimo y encerrado ciudadano de “La Cabina”.
Con su desaparición se va otro gran pedazo de nuestro cine, cada vez más huérfano de las personalidades que forjaron su historia. Donde quiera que vaya se unirá a Azcona, Fernán Gómez, Isbert, Ciges, Agustín González, Mary Carrillo o a la que fue su mejor partenaire, Gracita Morales, con la que podrá repetir los diálogos más eternos del cine español.
Lo dijo robgordon @ 20:44
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Véanlo de nuevo. Se mantiene joven. "La Cabina" de Antonio Mercero. Año 1972 con comentarios de Mercero y López Vázquez. Pinchad aquí.
Lo dijo robgordon @ 17:33
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Hoy le homenajearé poniendome esta camiseta. Ha sido grande. Un cómico a la altura de los mejores. Un actor que mereció más reconocimiento internacional. Descanse en paz.
Lo dijo robgordon @ 14:39
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Viendo la película "Moon" dirigida por Duncan "hijo de David Bowie" Jones y triunfadora de la última edición del festival de Sitges, reparo en el logotipo de Lunar Industries la compañía para la que trabaja Sam Rockwell, el protagonista de esta odisea espacial, encargada de extraer Helio-3 de la Luna para suministrar energía al planeta Tierra
Esa letra L gigante y los cuadrados anaranjados que la acompañan me recuerdan poderosamente al logo de Localia, cadena televisiva recientemente desaparecida. O ¿quizá el parecido no es tal y se trata de una paranoia mía tan grande como la del astronauta Sam Bell? Parecido razonable o no, dicho queda.
Lo dijo robgordon @ 08:02
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Los acontecimientos de la pasada semana nos han hecho descubrir una faceta oculta de nuestra Ministra de Cultura. Hemos conocido que Ángeles González Sinde es fan, pero fan fan del cine de terror y no es de las que se anda con medias tintas. Cuanto más bizarro, gore y grotesco sea este cine, más le gusta..jpg)
MARTYRS: Hubo ambulancias a las puertas de las salas que la proyectaron. Esta historia de dos amigas de las cuales una de ellas sufrió un brutal maltrato años atrás, es capaz de remover estómagos con sus explicitas escenas de tortura. Una de las películas francesas más bárbaras de los últimos años.
Sinde opina: “De las que más me han gustado últimamente. El final es buenísimo. No te esperas que a la amiga sana le vayan a quitar las capas. Y que mala es la jefa de la secta que se dedica a hacer las atrocidades. Y que egoísta”
“FEAST”: Película americana de 2005 donde Los clientes de un bar perdido en una carretera rural tendrán que luchar para salvar sus vidas de unas criaturas voladoras que quieren devorarlos a todos. Humanos contra bestias para decidir quien gana en salvajismo.Sinde opina: “Que bichos más malos. Es de estas películas de supervivencia del ser humano que están entre mis favoritas. Aunque sus personajes son un poco planos la película contiene muchos desmembramientos y es muy divertida”
A´ L INTERIEUR: Otra de las cintas francesas que más ha dado que hablar en el cine reciente. Una mujer en evidente estado de gestación está sola en casa la noche de Navidad. Otra mujer irrumpe en su casa para sacarle el bebé que lleva dentro.Sinde opina: “Esta película es de esas que están protagonizadas solo por mujeres. Hay que reivindicar el cine donde la mujer lleva la voz cantante, rechazando de una vez por todas el segundo plano en el que la sociedad ha dejado al género femenino. Esta historia donde una mujer quiere robarle el feto a otra, me tocó la fibra y me llegó como espectadora femenina. Por fin la mujer está ocupando su lugar merecido”
NEKROMANTIK: Cinta alemana de los ochenta que levantó mucha polémica en su momento por sus retorcidas y necrófilas secuencias, así como por el degollamiento de un conejo vivo. Especialmente famosa es su escena en la que el protagonista se apuñala mientras eyacula.Sinde opina: "La vi hace años y desde entonces no me quito sus imagenes de la cabeza. Lo del conejillo me dió mucha lástima, la verdad. No era necesario. Ahora bien, la secuencia del trio con el cadaver me parecío de gran belleza. Sugerí incluir una secuencia similar en "Mentiras y Gordas" pero Menkes y Albacete no accedieron. Además "Nekromantik" es alemana, por tanto, como cine europeo que es hay que recomendarla y apoyarla"
HOLOCAUSTO CANIBAL: Su estreno estuvo prohibido en Italia o Reino Unido. Un grupo de reporteros viaja a la selva amazónica para hacer un documental sobre las tribus caníbales con los peligros que ello conlleva. La película fue confiscada por el Gobierno italiano y su director arrestado al existir la creencia de que la película se era una "snuff movie" real.Sinde opina: "Yo es que soy de las que todavía cree que lo que todo lo que pasa en la película ocurrío en realidad. Que yuyu..."
DESTINO FINAL 3D: La cuarta entrega de este carrusel de desafortunadas muertes que ahora aprovecha el tirón del nuevo formato de 3 Dimensiones. Protagonistas jovenes y guapos con un destino nada feliz.Sinde opina: “De mis sagas favoritas junto a “Saw” y “Hostel”. Fui como una chiquilla a verla en el preestreno con mis gafas 3D. Cuando saltó un tornillo aparté la cabeza porque pensé que me iba a dar. Y no era que me fuese a dar era que las gafas 3D son así de reales. Mi escena favorita es esa en que el desagüe de una piscina succiona las entrañas del alocado protagonista”.
CALVAIRE: Película belga inédita en nuestro país. Con una atmosfera de locura que recorre toda la película, su director Fabrice du Welz desciende a su protagonista a los infiernos tras averiarse su coche en medio de un pueblo de lo más extraño.Sinde opina: "Esta película me la dejó una amiga. No la conocía. La película me refiero, a la amiga si la conocía, jeje. Es broma. Pobre muchacho el protagonista, la de perrerias que le hacen. Aunque hay una cosa de la película que me descuadró, la escena esa en que los lugareños se ponen a bailar en el bar. Que cosa más rara y fuera de sitio".
Lo dijo robgordon @ 11:50
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No se le puede negar la ambición, Amenabar siempre ha querido dar un paso más en cada movimiento que ha realizado y ese “ir más allá” no le había fallado. Consiguió pronto lo más difícil, que el público vaya al cine solo por tu nombre. Con el espectador y todos los records de taquilla en el bolsillo, la crítica era otra cuenta pendiente, desde “Tesis” ya hay alguno rendido a sus pies aunque con “Los Otros” y con “Mar Adentro” algún otro torció el morro.
En ese ascenso fulgurante del más listo de la clase, tan fulgurante que si se proponía lograr un Oscar, lo conseguía, Amenabar ha dado su primer gran traspiés. A “Agora” el director de “Abre los ojos” le pone la pasión del que se entusiasma por una disciplina y aún en el inicio de su formación cree saber tanto como para transmitirla. Similar a cuando el director se metió a músico y componía las bandas sonoras de sus propias películas, que pueden ser eficaces pero no lo completas que un músico profesional puede crear.
La historia de Hipatia de Alejandría en el Siglo IV narrada por el impetuoso Alejandro Amenabar acaba convertida en una metáfora de nuestros días donde la oda al feminismo y la defensa del intelecto femenino, la crítica a los fundamentalismos y el examen de la existencia del ser humano en un universo infinito aparecen y desaparecen a lo largo del metraje. Muchos palos que tocar. Amenabar se ve desbordado por toda la teoría estudiada y aprueba en lo que más sabe, la práctica cinematográfica, gracias, principalmente a los más de 50 millones de euros invertidos (haciendo de esta la superproducción más cara del cine español) lo que permiten recrear Alejandría con una factura técnica impecable y al director lucirse en la faceta más plástica de la película, que al fin y al cabo, de poco servirá si el resto no acompaña.
Así “Agora” es una obra tan pomposa como tibia, incapaz de fascinarnos por su universo, incapaz de remover el sentimiento del espectador en momentos diseñados para ello como la destrucción de la Biblioteca o por el triangulo amoroso imaginado. Quiza el casting tampoco ayude, por mucho que la oscarizada Rachel Weisz se esfuerce en lidiar con un personaje que no es precisamente un dechado de simpatía. La Hipatia imaginada por Alejandro jamás hubiese pasado a la historia.
Lo dijo robgordon @ 13:01
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(Caricatura de Robert Downey Jr./Sherlock Holmes por Neil Davies)
Lo dijo robgordon @ 08:42
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Ésta es la maravillosa historia de Ricardo Morales. Una historia de justicia investigada desde la justicia. Esta es la concienzuda historia de Benjamín Expósito y una vida condicionada por un hecho que jamás presenció. Es la romántica historia de Irene Menéndez, elegante y decidida señora cuyo vacío fue tan grande como su amor. Es la leal historia de Sandoval, el desastroso amigo al que todo el mundo querría ayudar. Es la historia de una Argentina corrupta, convulsa, cercana al golpe militar que estaba por llegar. Existencias golpeadas por un único rostro, tan bello que provocaba obsesivas y reiteradas preguntas del porqué de su trágico final.
El escritor bonaerense Eduardo Sacheri imaginó estas vidas y urdió las intrigas y secretos que les acompañaban. De ahí podría haber salido una adaptación cinematográfica aseada. Un thriller sugerente. Como el de tantas y tantas novelas con sólidos suspenses que son carne de pantalla grande. Pero no ha sido el caso. En manos de Juan José Campanella la adaptación de “La pregunta de sus ojos” deja de ser una mera adaptación al cine para convertirse en una adaptación al séptimo arte y al más óptimo aprovechamiento de los múltiples recursos que este ofrece.
“El Secreto de sus ojos” es puro arte cinematográfico. Una película hecha con la pulcra corrección de una realización académica a la que se le une un enorme talento colectivo y un afán por crear un trabajo imperecedero y perdurable. Con claro matiz literario (no en vano el protagonista recuerda los hechos por medio de la escritura de una novela que los recrea), la cinta de Campanella caminará entre el suspense, la tragedia, el drama, el romance y la comedia con una naturalidad asombrosa, casi insultante logrando provocar diferentes y poderosas reacciones en el espectador.
"El Secreto de sus ojos" es una grandisima noticia para el séptimo arte. Hacía tiempo que no presenciabamos un film tan completo. No me hagan caso con cualquier otra película, haganmelo con esta. Vayan a su sala más cercana que en esta ocasión lo que van a presenciar puro cine.
Lo dijo robgordon @ 08:07
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Afirmaba el escritor y crítico de cine, David Gilmour, en su recomendable novela “Cineclub”; “Hoy día las películas de Woody Allen desprenden una sensación de apresuramiento, como si estuviera intentando acabarlas y quitárselas de encima para hacer otra cosa. Esa otra cosa, por desgracia, era otra película. Aún así, después de haber rodado más de treinta películas, tal vez tenga derecho a trabajar a la velocidad que le apetezca”.
Aún estando de acuerdo solo al 50% con esta definición ("Match Point" o "Scoop" no desprenden esa sensación); “Si la cosa funciona” es el tipo de película de Allen que más puede acercarse a ella. El tipo de película rutinaria y ligera que Allen rueda con el automático, que se sabe y que sabemos de memoria. Una película cuyo guión fue rescatado durante el periodo de huelga de guionistas estadounidenses del cajón que lo guardaba desde los años setenta, evitando así romper con la tradición de película por año.
Porque en “Si la cosa funciona” el nivel de riesgo es mínimo y el conjunto de sus prestaciones extremadamente familiar; diálogos sobre vida y la muerte, sexo y mujeres, misoginia, neuras, hipocondría, comedia, Nueva York, monólogos a cámara y un largo etcétera de las constantes del cine de Allen. Humor judío en espacios interiores, que no aspira a ser “Annie Hall”, ni ambiciona el carácter renovador de “Match Point”, sino tan solo aportar otra pequeña muestra del universo de Allen para satisfacer al incondicional.
Simpática, liviana y redundante, la película número 44 de Allen es de esas que le salen con la gorra al director de "Zelig" y viene a engrosar su lista de film menores que son mayores que los de otros, mientras (que no le falte tiempo) ya prepara su siguiente proyecto. Y es que si la cosa funciona, ¿por qué no volver a ella?.
Lo dijo robgordon @ 20:08
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Aunque estamos lejos, siempre nos gusta seguir de cerca uno de nuestros festivales de cine favoritos; el festival de cine de Sitges. Confiando en que muchas de sus películas proyectadas, lleguen a ser estrenadas en nuestro país (aún esperamos impacientes el estreno de "Eden Lake", presentada el pasado año), tomamos apuntes de muchas de sus propuestas para no dejarlas escapar a corto/medio plazo. Aquí van algunas de las cintas más interesantes del festival dirigido por Ángel Sala;
ACCIDENT HAPPENS: Una de familias disfuncionales. Como "Pequeña Miss Sunshine" pero llegada de las antípodas y con chaval infernal en el hogar. Supone el regreso a las pantallas de Geena Davis, tiene toques de comedia y tuvo una buena acogida en el festival de cine de Toronto.
SPLICE: Vicenzo Natalie es uno de los mejores exponentes del cine fantástico actual. “Cube” o “Cypher” claramente lo demuestran. Ahora es la genética y los experimentos con ADN lo que provoca la creación de una criatura de claras formas femeninas que se clavará en nuestra cabeza. Produce Guillermo del Toro y protagonizan Adrien Brody y Sarah Polley.
MR.NOBODY: Si hay una película mágica en el festival esa es la belga “Mr.Nobody” de Jaco Van Dormael. Con Jared Leto, Sarah Polley y Diane Kruger, “Mr.Nobody” juega en la misma liga que “Amelie”, “Forrest Gump” o “El curioso caso de Benjamin Button”; Un hombre lleva una vida normal junto a su mujer y sus 3 hijos. Un día, da un salto en el tiempo y como por arte de magia se convierte en el hombre más viejo del mundo en el año 2092. En un futuro donde nadie muere, se ha convertido en el único mortal. Ahora sólo quiere averiguar que ha pasado y recuperar su vida cotidiana junto a su mujer y sus hijos. Puro pastel para unos, romanticismo y encanto para otros.
THE COUNTESS: Esta chica es una todoterreno. Julie Delpy no solo actúa, también publica discos, compone bandas sonoras, escribe y dirige películas. “The Countess” es su última cinta en la que Delpy se lo guisa y se lo come contando la historia de Erzsébet Báthory (encarnada, como no, por Delpy), la condesa de Transylvania que, supuestamente, se bañaba en sangra de vírgenes para mantener su juventud y sobre la que mucho se ha escrito.
Radha Mitchell, Ethan Hawke, Vincent Gallo, William Hurt y Daniel Brühl completan el reparto.
LA HORDE: Producida por Xavier Gens ("Frontière(s)"), y dirigida por Yannick Dahan y Benjamin Rocher, “La Horde” es una pieza más dentro de la particular “revolución francesa” que está sufriendo el cine de género galo. En “La Horde” nos encontramos con una cinta de policías que persiguen a un grupo de gangsters en el Norte de París. Algo bastante común si no fuese porque en su camino se cruzan unos zombies con tanta sed de sangre que se comerían hasta a Carla Bruni. Emociones fuertes y mucha hemoglobina.
BRONSON: No es un biopic de la vida de Charles Bronson, sino una película que alguien ha denominado como "La naranja mecánica del siglo XXI". La historia del preso más peligroso de toda Inglaterra capaz de liarla parda en las más de 120 cárceles por las que ha pasado. La dirige un joven danés Nicolas Winding Ref, y la protagoniza en la piel del tal Bronson (el cual todavía sigue en prisión después de 35 años) el actor Tom Ardí. En UK ya ha suscitado polémica.
THIRST: Si los zombies están de moda, los vampiros no lo están menos. Lo nuevo y esperado de Park-Chan-Wook (“Oldboy”, “Soy, un ciborg”) es precisamente una de vampiros, si es que se puede clasificar dentro de un solo subgénero al cine del coreano. Una historia de un sacerdote vampiro con mucho de drama y algo de romance que hará las delicias de los seguidores de uno de los directores orientales más reconocidos internacionalmente
Lo dijo robgordon @ 15:45
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