EL ACTOR QUE TODO ESPAÑOL FUÉ

Solo vi a Peter Sellers y a Jack Lemmon hacer lo que hacía José Luis López Vázquez; pasar con una aplastante naturalidad de la más hilarante y agitada sobreactuación (entendida ésta positivamente) a la más sobria y contenida interpretación. Que viene a ser lo que todo actor aspira a conseguir; ser el mejor cómico y a la vez el más firme actor dramático.

Hay un lamento común y repetido al recordar estos días su figura; la escasa repercusión internacional de un actor con semejantes condiciones. Esa seguridad de que López Vázquez hubiera sido tan reconocido como, por ejemplo, los dos gigantes de la interpretación citados unas líneas más arriba, a poco que se hubiese prodigado fuera de nuestro cine o a poco que Hollywood (George Cukor aparte) hubiese mirado más allá de su ombligo en aquellos años.

Egoístamente, a mí siempre me gustó que López Vázquez fuese nuestro y solo nuestro, como el jamón, la siesta o la paella. O como las suecas que vienen a España, que no son tan suecas si están en cualquier otro lugar del planeta. Él no era exportable, porque López Vázquez y Fernán Gómez eran nuestras armas para salir triunfantes y orgullosos si alguien osaba debatir sobre el cual era el actor más completo del cine mundial.

Sus apellidos lo delataban como producto puramente nacional. También su aspecto de funcionario de medio pelo, pequeño, alopécico y nada agraciado. Sobre su corriente figura labró unos personajes que reflejaban a la sociedad española de cada década desde los años 50. Y en ese contexto, en un cine de fronteras para adentro, a veces predominantemente popular (“El turismo es un gran invento”, “Objetivo bi-ki-ni”, “En un lugar de La Manga”) otras más intimista (“El Bosque del Lobo”, “Mi querida señorita”), Vázquez destacó como el tipo con el que cada español podía identificarse.

Sólo él podía encarnar a personajes tan autóctonos como Manolo Locúmula Verruguillo, primo de Vicenta en “¡Como está el servicio!”, Quintanilla en la navideña “Plácido”, al típico sufridor español de “El Pisito” a luchadores del sexo y libertad como Serafín Requejo en “Lo verde empieza en los Pirineos”, al hijo del Marqués de Leguineche en la saga Nacional de Berlanga y Azcona, al abnegado padrino de “La gran familia” y “La familia y uno más” o al anónimo y encerrado ciudadano de “La Cabina”.

Fue su enorme talento para componer personajes, su gran inteligencia interpretativa que le llevaba a encajar en cualquier género, sus grandes dotes para la improvisación cómica y su silabeo lo que lo transformaron de actor en icono. Un icono respetado y querido, capaz de propagarse entre generaciones que hoy repiten eso de “las alemanas, las alemanas” o ese “Fernando Galindo un admirador, un esclavo, un amigo, un siervo” que tan bien recitó en la inolvidable “Atraco a las tres”

Con su desaparición se va otro gran pedazo de nuestro cine, cada vez más huérfano de las personalidades que forjaron su historia. Donde quiera que vaya se unirá a Azcona, Fernán Gómez, Isbert, Ciges, Agustín González, Mary Carrillo o a la que fue su mejor partenaire, Gracita Morales, con la que podrá repetir los diálogos más eternos del cine español.

LA CABINA (1972)

Véanlo de nuevo. Se mantiene joven. "La Cabina" de Antonio Mercero. Año 1972 con comentarios de Mercero y López Vázquez. Pinchad aquí.

ADIÓS DON JOSÉ LUIS

Hoy le homenajearé poniendome esta camiseta. Ha sido grande. Un cómico a la altura de los mejores. Un actor que mereció más reconocimiento internacional. Descanse en paz.

PARECIDOS CON O SIN RAZÓN: EL LOGO DE "MOON"

Viendo la película "Moon" dirigida por Duncan "hijo de David Bowie" Jones y triunfadora de la última edición del festival de Sitges, reparo en el logotipo de Lunar Industries la compañía para la que trabaja Sam Rockwell, el protagonista de esta odisea espacial, encargada de extraer Helio-3 de la Luna para suministrar energía al planeta Tierra

Esa letra L gigante y los cuadrados anaranjados que la acompañan me recuerdan poderosamente al logo de Localia, cadena televisiva recientemente desaparecida. O ¿quizá el parecido no es tal y se trata de una paranoia mía tan grande como la del astronauta Sam Bell? Parecido razonable o no, dicho queda.

NOCHE DE HALLOWEEN SEGUN GONZÁLEZ SINDE

Los acontecimientos de la pasada semana nos han hecho descubrir una faceta oculta de nuestra Ministra de Cultura. Hemos conocido que Ángeles González Sinde es fan, pero fan fan del cine de terror y no es de las que se anda con medias tintas. Cuanto más bizarro, gore y grotesco sea este cine, más le gusta.
Seguidora absoluta de la saga “Saw” desde la primera hasta la última; “la primera es la que menos me gusta, las otras van más al grano” , Sinde ha querido aprovechar la celebración de Halloween, una fecha marcada en rojo (sangre) en su agenda Moleskine para recomendarnos unas cuantas cintas para pasar una noche de Halloween “de miedo”.

Esta es la noche cinéfila de Halloween que Angeles González Sinde diseñaría;

MARTYRS: Hubo ambulancias a las puertas de las salas que la proyectaron. Esta historia de dos amigas de las cuales una de ellas sufrió un brutal maltrato años atrás, es capaz de remover estómagos con sus explicitas escenas de tortura. Una de las películas francesas más bárbaras de los últimos años.

Sinde opina: “De las que más me han gustado últimamente. El final es buenísimo. No te esperas que a la amiga sana le vayan a quitar las capas. Y que mala es la jefa de la secta que se dedica a hacer las atrocidades. Y que egoísta”

“FEAST”: Película americana de 2005 donde Los clientes de un bar perdido en una carretera rural tendrán que luchar para salvar sus vidas de unas criaturas voladoras que quieren devorarlos a todos. Humanos contra bestias para decidir quien gana en salvajismo.

Sinde opina: “Que bichos más malos. Es de estas películas de supervivencia del ser humano que están entre mis favoritas. Aunque sus personajes son un poco planos la película contiene muchos desmembramientos y es muy divertida”

A´ L INTERIEUR: Otra de las cintas francesas que más ha dado que hablar en el cine reciente. Una mujer en evidente estado de gestación está sola en casa la noche de Navidad. Otra mujer irrumpe en su casa para sacarle el bebé que lleva dentro.

Sinde opina: “Esta película es de esas que están protagonizadas solo por mujeres. Hay que reivindicar el cine donde la mujer lleva la voz cantante, rechazando de una vez por todas el segundo plano en el que la sociedad ha dejado al género femenino. Esta historia donde una mujer quiere robarle el feto a otra, me tocó la fibra y me llegó como espectadora femenina. Por fin la mujer está ocupando su lugar merecido”

NEKROMANTIK: Cinta alemana de los ochenta que levantó mucha polémica en su momento por sus retorcidas y necrófilas secuencias, así como por el degollamiento de un conejo vivo. Especialmente famosa es su escena en la que el protagonista se apuñala mientras eyacula.

Sinde opina: "La vi hace años y desde entonces no me quito sus imagenes de la cabeza. Lo del conejillo me dió mucha lástima, la verdad. No era necesario. Ahora bien, la secuencia del trio con el cadaver me parecío de gran belleza. Sugerí incluir una secuencia similar en "Mentiras y Gordas" pero Menkes y Albacete no accedieron. Además "Nekromantik" es alemana, por tanto, como cine europeo que es hay que recomendarla y apoyarla"

HOLOCAUSTO CANIBAL: Su estreno estuvo prohibido en Italia o Reino Unido. Un grupo de reporteros viaja a la selva amazónica para hacer un documental sobre las tribus caníbales con los peligros que ello conlleva. La película fue confiscada por el Gobierno italiano y su director arrestado al existir la creencia de que la película se era una "snuff movie" real.

Sinde opina: "Yo es que soy de las que todavía cree que lo que todo lo que pasa en la película ocurrío en realidad. Que yuyu..."

DESTINO FINAL 3D: La cuarta entrega de este carrusel de desafortunadas muertes que ahora aprovecha el tirón del nuevo formato de 3 Dimensiones. Protagonistas jovenes y guapos con un destino nada feliz.

Sinde opina: “De mis sagas favoritas junto a “Saw” y “Hostel”. Fui como una chiquilla a verla en el preestreno con mis gafas 3D. Cuando saltó un tornillo aparté la cabeza porque pensé que me iba a dar. Y no era que me fuese a dar era que las gafas 3D son así de reales. Mi escena favorita es esa en que el desagüe de una piscina succiona las entrañas del alocado protagonista”.

CALVAIRE: Película belga inédita en nuestro país. Con una atmosfera de locura que recorre toda la película, su director Fabrice du Welz desciende a su protagonista a los infiernos tras averiarse su coche en medio de un pueblo de lo más extraño.

Sinde opina: "Esta película me la dejó una amiga. No la conocía. La película me refiero, a la amiga si la conocía, jeje. Es broma. Pobre muchacho el protagonista, la de perrerias que le hacen. Aunque hay una cosa de la película que me descuadró, la escena esa en que los lugareños se ponen a bailar en el bar. Que cosa más rara y fuera de sitio".

HIPATIA DE ALEJANDRO

No se le puede negar la ambición, Amenabar siempre ha querido dar un paso más en cada movimiento que ha realizado y ese “ir más allá” no le había fallado. Consiguió pronto lo más difícil, que el público vaya al cine solo por tu nombre. Con el espectador y todos los records de taquilla en el bolsillo, la crítica era otra cuenta pendiente, desde “Tesis” ya hay alguno rendido a sus pies aunque con “Los Otros” y con “Mar Adentro” algún otro torció el morro.

En ese ascenso fulgurante del más listo de la clase, tan fulgurante que si se proponía lograr un Oscar, lo conseguía, Amenabar ha dado su primer gran traspiés. A “Agora” el director de “Abre los ojos” le pone la pasión del que se entusiasma por una disciplina y aún en el inicio de su formación cree saber tanto como para transmitirla. Similar a cuando el director se metió a músico y componía las bandas sonoras de sus propias películas, que pueden ser eficaces pero no lo completas que un músico profesional puede crear.

“Agora” es filosofía, astronomía, religión, historia de amor e historia de épica. En los tres primeros temas Amenabar es solo un adolescente apasionado con ganas de difundir lo aprendido. En lo segundo está más versado, si bien la amalgama de materias no permite desarrollarlos con la profundidad necesaria como para llegar al espectador.

La historia de Hipatia de Alejandría en el Siglo IV narrada por el impetuoso Alejandro Amenabar acaba convertida en una metáfora de nuestros días donde la oda al feminismo y la defensa del intelecto femenino, la crítica a los fundamentalismos y el examen de la existencia del ser humano en un universo infinito aparecen y desaparecen a lo largo del metraje. Muchos palos que tocar. Amenabar se ve desbordado por toda la teoría estudiada y aprueba en lo que más sabe, la práctica cinematográfica, gracias, principalmente a los más de 50 millones de euros invertidos (haciendo de esta la superproducción más cara del cine español) lo que permiten recrear Alejandría con una factura técnica impecable y al director lucirse en la faceta más plástica de la película, que al fin y al cabo, de poco servirá si el resto no acompaña.

Así “Agora” es una obra tan pomposa como tibia, incapaz de fascinarnos por su universo, incapaz de remover el sentimiento del espectador en momentos diseñados para ello como la destrucción de la Biblioteca o por el triangulo amoroso imaginado. Quiza el casting tampoco ayude, por mucho que la oscarizada Rachel Weisz se esfuerce en lidiar con un personaje que no es precisamente un dechado de simpatía. La Hipatia imaginada por Alejandro jamás hubiese pasado a la historia.

7 VIDEOS DEL 21 DE OCTUBRE

• Trailer de "The Expendables"; viejas glorias a tollina limpia
• Segundo trailer de "Sherlock Holmes" de Guy Ritchie
• El cast de "Como conocí a vuestra madre" canta el tema principal de la serie
• Clip de "Nine"; Pénelope, Sofía, Nicole, Kate y Marion toman el poder
• La otra historia del flexo de Pixar
• Trailer de "Edge of Darkness"; Vuelve Mel Gibson!
• 17 segundos de "The Ghost", la última película del encarcelado Polanski

(Caricatura de Robert Downey Jr./Sherlock Holmes por Neil Davies)

CINE EN ESTADO PURO

Ésta es la maravillosa historia de Ricardo Morales. Una historia de justicia investigada desde la justicia. Esta es la concienzuda historia de Benjamín Expósito y una vida condicionada por un hecho que jamás presenció. Es la romántica historia de Irene Menéndez, elegante y decidida señora cuyo vacío fue tan grande como su amor. Es la leal historia de Sandoval, el desastroso amigo al que todo el mundo querría ayudar. Es la historia de una Argentina corrupta, convulsa, cercana al golpe militar que estaba por llegar. Existencias golpeadas por un único rostro, tan bello que provocaba obsesivas y reiteradas preguntas del porqué de su trágico final.

El escritor bonaerense Eduardo Sacheri imaginó estas vidas y urdió las intrigas y secretos que les acompañaban. De ahí podría haber salido una adaptación cinematográfica aseada. Un thriller sugerente. Como el de tantas y tantas novelas con sólidos suspenses que son carne de pantalla grande. Pero no ha sido el caso. En manos de Juan José Campanella la adaptación de “La pregunta de sus ojos” deja de ser una mera adaptación al cine para convertirse en una adaptación al séptimo arte y al más óptimo aprovechamiento de los múltiples recursos que este ofrece.

Nunca un crimen marcó tantas vidas como el de "El Secreto de sus ojos". La investigación, por azar, de rebote, del brutal asesinato de una joven por parte del secretario de un Juzgado (encarnado por Ricardo Darín) es al tiempo la narración de los silencios del pasado, de la venganza, traiciones políticas, amistad y amor. Flanqueado estupendamente por Soledad Villamil y Guillermo Francella (que gran personaje el de Sandoval!) que miran a Darín con gran complicidad a través de los montones de papel acumulados en sus mesas de funcionarios del estado, el actor argentino se marca una interpretación de lujo. A la altura del trabajo de su director con el colabora por cuarta vez ("El hijo de la novia", "El mismo amor, la misma lluvia"), y el cual ofrece una labor que bien merecería una nominación al Oscar a Mejor Director. Solo el plano secuencia del campo de fútbol en el partido Huracçan-Racing de Avellaneda, que el mismisimo Brian de Palma querría para si mismo, debería enseñarse en escuelas de cine..

“El Secreto de sus ojos” es puro arte cinematográfico. Una película hecha con la pulcra corrección de una realización académica a la que se le une un enorme talento colectivo y un afán por crear un trabajo imperecedero y perdurable. Con claro matiz literario (no en vano el protagonista recuerda los hechos por medio de la escritura de una novela que los recrea), la cinta de Campanella caminará entre el suspense, la tragedia, el drama, el romance y la comedia con una naturalidad asombrosa, casi insultante logrando provocar diferentes y poderosas reacciones en el espectador.

Un guión sin fisuras lleno de emoción y ternura donde la riqueza de sus personajes y la intachable descripción de sus correspondientes pasados en un contexto agitado como es la Argentina del 75 (en gran parte debido a la asombrosa ambientación que nada tiene que envidiar a cintas como “Zodiac” o “Munich”) hacen de ella la cinta de corte clásico más redonda que podríamos disfrutar en el cine moderno.

"El Secreto de sus ojos" es una grandisima noticia para el séptimo arte. Hacía tiempo que no presenciabamos un film tan completo. No me hagan caso con cualquier otra película, haganmelo con esta. Vayan a su sala más cercana que en esta ocasión lo que van a presenciar puro cine.

SI LA COSA FUNCIONA...

Afirmaba el escritor y crítico de cine, David Gilmour, en su recomendable novela “Cineclub”; “Hoy día las películas de Woody Allen desprenden una sensación de apresuramiento, como si estuviera intentando acabarlas y quitárselas de encima para hacer otra cosa. Esa otra cosa, por desgracia, era otra película. Aún así, después de haber rodado más de treinta películas, tal vez tenga derecho a trabajar a la velocidad que le apetezca”.

Aún estando de acuerdo solo al 50% con esta definición ("Match Point" o "Scoop" no desprenden esa sensación); “Si la cosa funciona” es el tipo de película de Allen que más puede acercarse a ella. El tipo de película rutinaria y ligera que Allen rueda con el automático, que se sabe y que sabemos de memoria. Una película cuyo guión fue rescatado durante el periodo de huelga de guionistas estadounidenses del cajón que lo guardaba desde los años setenta, evitando así romper con la tradición de película por año.
“Si la cosa funciona” puede considerarse un parche que soluciona un vacío o bien la comedia informal que el director neoyorkino ofrece a sus seguidores cada cierto tiempo. Todo depende del grado de cariño o de fatiga que tengamos hacía la pura comedia de Allen.

Porque en “Si la cosa funciona” el nivel de riesgo es mínimo y el conjunto de sus prestaciones extremadamente familiar; diálogos sobre vida y la muerte, sexo y mujeres, misoginia, neuras, hipocondría, comedia, Nueva York, monólogos a cámara y un largo etcétera de las constantes del cine de Allen. Humor judío en espacios interiores, que no aspira a ser “Annie Hall”, ni ambiciona el carácter renovador de “Match Point”, sino tan solo aportar otra pequeña muestra del universo de Allen para satisfacer al incondicional.

Conociendo al dedillo todo lo que “Si la cosa funciona” puede garantizar, el principal reclamo de la cinta radica en ver a Larry David, creador de la serie “Seinfield” y el alter ego más cercano a Woody que ha podido existir, poniéndose en el rol habitual de Allen, si cabe, todavía más pesimista y gruñón. Extendiendo hasta el paroxismo las palmas de sus manos, esas que se lava mientras tararea el cumpleaños feliz, Boris Yellnikoff (Larry David) entablará relación con una joven de pueblo encarnada por Evan Rachel Wood, haciendo de Pigmalión aunque el no quiera y arreglando las vidas insatisfechas de su alrededor como si de “Que bello es vivir!” se tratase, aunque pretenda justamente lo contrario.

Simpática, liviana y redundante, la película número 44 de Allen es de esas que le salen con la gorra al director de "Zelig" y viene a engrosar su lista de film menores que son mayores que los de otros, mientras (que no le falte tiempo) ya prepara su siguiente proyecto. Y es que si la cosa funciona, ¿por qué no volver a ella?.

7 PELÍCULAS DE SITGES 09

Aunque estamos lejos, siempre nos gusta seguir de cerca uno de nuestros festivales de cine favoritos; el festival de cine de Sitges. Confiando en que muchas de sus películas proyectadas, lleguen a ser estrenadas en nuestro país (aún esperamos impacientes el estreno de "Eden Lake", presentada el pasado año), tomamos apuntes de muchas de sus propuestas para no dejarlas escapar a corto/medio plazo. Aquí van algunas de las cintas más interesantes del festival dirigido por Ángel Sala;

ACCIDENT HAPPENS: Una de familias disfuncionales. Como "Pequeña Miss Sunshine" pero llegada de las antípodas y con chaval infernal en el hogar. Supone el regreso a las pantallas de Geena Davis, tiene toques de comedia y tuvo una buena acogida en el festival de cine de Toronto.

SPLICE: Vicenzo Natalie es uno de los mejores exponentes del cine fantástico actual. “Cube” o “Cypher” claramente lo demuestran. Ahora es la genética y los experimentos con ADN lo que provoca la creación de una criatura de claras formas femeninas que se clavará en nuestra cabeza. Produce Guillermo del Toro y protagonizan Adrien Brody y Sarah Polley.

MR.NOBODY: Si hay una película mágica en el festival esa es la belga “Mr.Nobody” de Jaco Van Dormael. Con Jared Leto, Sarah Polley y Diane Kruger, “Mr.Nobody” juega en la misma liga que “Amelie”, “Forrest Gump” o “El curioso caso de Benjamin Button”; Un hombre lleva una vida normal junto a su mujer y sus 3 hijos. Un día, da un salto en el tiempo y como por arte de magia se convierte en el hombre más viejo del mundo en el año 2092. En un futuro donde nadie muere, se ha convertido en el único mortal. Ahora sólo quiere averiguar que ha pasado y recuperar su vida cotidiana junto a su mujer y sus hijos. Puro pastel para unos, romanticismo y encanto para otros.

THE COUNTESS: Esta chica es una todoterreno. Julie Delpy no solo actúa, también publica discos, compone bandas sonoras, escribe y dirige películas. “The Countess” es su última cinta en la que Delpy se lo guisa y se lo come contando la historia de Erzsébet Báthory (encarnada, como no, por Delpy), la condesa de Transylvania que, supuestamente, se bañaba en sangra de vírgenes para mantener su juventud y sobre la que mucho se ha escrito.
Radha Mitchell, Ethan Hawke, Vincent Gallo, William Hurt y Daniel Brühl completan el reparto.



LA HORDE: Producida por Xavier Gens ("Frontière(s)"), y dirigida por Yannick Dahan y Benjamin Rocher, “La Horde” es una pieza más dentro de la particular “revolución francesa” que está sufriendo el cine de género galo. En “La Horde” nos encontramos con una cinta de policías que persiguen a un grupo de gangsters en el Norte de París. Algo bastante común si no fuese porque en su camino se cruzan unos zombies con tanta sed de sangre que se comerían hasta a Carla Bruni. Emociones fuertes y mucha hemoglobina.



BRONSON: No es un biopic de la vida de Charles Bronson, sino una película que alguien ha denominado como "La naranja mecánica del siglo XXI". La historia del preso más peligroso de toda Inglaterra capaz de liarla parda en las más de 120 cárceles por las que ha pasado. La dirige un joven danés Nicolas Winding Ref, y la protagoniza en la piel del tal Bronson (el cual todavía sigue en prisión después de 35 años) el actor Tom Ardí. En UK ya ha suscitado polémica.



THIRST: Si los zombies están de moda, los vampiros no lo están menos. Lo nuevo y esperado de Park-Chan-Wook (“Oldboy”, “Soy, un ciborg”) es precisamente una de vampiros, si es que se puede clasificar dentro de un solo subgénero al cine del coreano. Una historia de un sacerdote vampiro con mucho de drama y algo de romance que hará las delicias de los seguidores de uno de los directores orientales más reconocidos internacionalmente

SOLO CUERPO

Viendo “Jennifer´s body” uno puede sacar dos conclusiones. Las dos sobre sus principales reclamos, que no son otros que sendas mujeres que han llamado poderosamente la atención en el cine norteamericano reciente; Diablo Cody y Megan Fox.

Sobre la actriz de “Transformers” es fácil aventurar que no tendrá un papel protagonista que no sea el de una chica explosiva. Y que probablemente tenga tan solo un par de años para explotar y sacar partido a esta faceta antes de ser relegada al rol de “tia buena” secundaria. Desde luego, en su primer personaje protagonista Megan Fox demuestra ser tan vistosa (cosa que ya sabiamos) como mala actriz (cosa que empezamos a saber), perdiendo una gran oportunidad para reivindicarse como “algo más” que un cuerpo.

La responsable de “Juno” tampoco se lo pone fácil a Fox, con un guión que no cumple con las expectativas creadas para este segundo trabajo de su breve pero exitosa carrera, lo cual nos lleva a pensar que sus afilados diálogos pueden convertirse en un arma de doble filo para su persona. De resultar frescos y divertidos si los personajes que los emiten y el envoltorio general acompaña a grotescos y ridículos en su caso contrario.

Ellen Page tenía todo un bombón de personaje en “Juno” y Jason Bateman le daba una réplica perfecta para componer sencillo, original y entrañable relato sobre la madurez y las responsabilidades. Todo funcionaba.
En esta ocasión no está Ellen Page poniendolo todo de su parte, no existe un personaje bien escrito, ni una pizca de mala leche a la hora de parodiar el género teen y/o terror adolescente, algo que parecía idóneo para la ligera, ácida y moderna pluma de Cody.

Diablo Cody juega a ser como Sam Raimi, al que cita/homenajea en un par de momentos, y al mismo tiempo no se aleja de la más típica cinta de colegialas, animadoras, bichos raros, música pop y bailes de instituto, intentando sacar partido de ese híbrido "fantástico-adolescente". La jugada sale rana, siendo una especie de "Carrie" barata, donde ni siquiera reluce la mala baba o el humor negro que como último recurso, cabía esperar y donde la dirección (de Karyn Kusama, directora de "Aeon Flux") no pasa de ser, simplemente, correcta. Sólo el empeñado buen hacer de esa joven actriz de ojos desorbitados llamada Amanda Seyfried puede salvarse de la quema.

"Jennifer´s body" es como Megan Fox; atractivo por fuera, plano y vacío por dentro.

15 MINUTOS CON BARRY GIFFORD

La tarde era lluviosa, como se adivinaba tras los ventanales de la bien denominada sala Pepe Isbert del Teatro Circo albaceteño. Barry Gifford se toma un té caliente para combatir la sensación de humedad y nos atiende amablemente minutos antes de comenzar una nueva sesión de su “Masterclass” en el festival Abycine, en la que hablará de una de las películas de su propia selección; "La pistola de mi hermano" junto a Ray Loriga.

Hasta ese momento solo ha compartido dos de sus encuentros cinéfilos con el público de Albacete, suficientes para sacar pequeñas conclusiones: - “Lo que más he apreciado en estos primeros días es el entusiasmo del público y de los organizadores del festival”.

La itinerancia que le ha proporcionado su carrera le ha permitido vivir y compartir experiencias literarias y cinematográficas alrededor de todo el mundo; - “En EEUU se consume mucha más televisión que en Europa e incluso muchos de sus realizadores dirigen sus películas como si un fuesen películas televisivas. El tipo de realizador que me interesa es aquel que quiere cautivar al público con la narración de una historia. Desde luego hay sitio para todo tipo de cine, yo acepto el cine de entretenimiento, pero prefiero las películas pequeñas y literarias, aunque lamentablemente están perdiendo en medio de todo el enjambre de películas que existe en la actualidad”.

Gifford ha trabajado en Norteamérica junto a directores de la talla de David Lynch o en nuestro país junto a Alex de la Iglesia, aunque Gifford nos relata la que es su experiencia más peculiar hasta la fecha, la película rumana “The Phantom Father” de Lucian Georgescu basada en una historia suya y para la que también se guarda un pequeño papel; - “Era apasionante observar como en Rumania rodaban al más puro estilo del cine clásico, de la época de los Estudios, como si se volviese a 1945, la gente técnica es maravillosa. Es como volver al pasado.”-

No podemos resistirnos a preguntarle por la turbadora persona de David Lynch con quien Gifford trabajó en “Corazón Salvaje” y “Carretera Perdida”; ¿Cómo es David Lynch? ¿Es su personalidad tan poco usual como sus películas? – “Ambos trabajamos de un modo muy duro, muy instintivo. Él es un tipo muy claro y directo, hay una gran sincronía. Estamos en la misma onda. Alguien dijo una vez que David coge lo ordinario y hace que parezca extraordinario, y que yo cojo lo extraordinario y hago que parezca ordinario. Al escuchar esta sentencia Lynch dijo “si eso es lo que piensan de nosotros, allá ellos”-

Junto a Gifford, el gran reclamo de este Abycine más allá de sus cortos y películas ha sido el actor Matt Dillon. Juntos llevaron a cabo “La ciudad de los fantasmas”. ¿Qué aportó Matt Dillon a Barry Gifford? - “El dinero”- , bromea el escritor. - “En realidad, trabajamos desde el inicio sin una garantía económica, igual que cuando escribo un libro. Dillon aportó gran pasión y entusiasmo, viene de una familia artística, su tío dibujaba los comics de Flash Gordon y Jungle Jim y Matt tiene esa vena. Sabía perfectamente como quería plasmar las imágenes de la historia”

Con su presencia en Abycine hemos conocido al Barry Gifford más cinéfilo. Pero no podemos dejarle ir sin formularle una última y personal cuestión sobre el séptimo arte. ¿Qué realizadores prefiere? –“Me gusta el director inusual, el director original, el que hace una primera película e intenta innovar” – “Iñarritu me encanta, es un director muy interesante”.

Barry Gifford en imdb

ENSALADA DE PARECIDOS

PARECIDO 1: "Munich" y "Lejos de la tierra quemada". La luz tras la cortina nos enseña al personaje protagonista. Por lo demás, letras sobrias y oscuridad en la habitación.

PARECIDO 2: El parecido más polémico de la temporada. Poster promocional de la reciente (y decepcionante) "Jennifer´s body" y poster de la primera temporada de "True Blood". No hay más que verlo.

PARECIDO 3: El subliminal también funciona. Como "The men who stare at goats" ofrece un humor tan particular como el de "Quemar después de leer" de los Hermanos Coen, que mejor que copiar su tipografía y esas siluetas de los personajes para que de un solo vistazo asociemos ambas películas.

PARECIDO 4: Otra de fuentes calcadas. Si me apuran hasta juraría que los creativos de "12 rounds" han hecho un perfecto COPY-PASTE donde lo único modificado es el orden de los números. Los posters de "12 trampas" de Renny Harlin y "21 gramos" de Iñarritu son hermanicos de la misma sangre.

PARECIDO 5: Si la cosa va de padres e hijos frente al mundo y la palabra ROAD aparece en el título, lo mejor es que ambos se den la mano y echen a andar ligeramente inclinados, que de copiar la tipografía del título ya se encargarán los diseñadores del cartel. Y por supuesto, para proteger la ley de menores y que no vuelva a ocurrir lo ocurrido con las hijas góticas de Zapatero, lo mejor es ocultar el rostro del niño, no vaya a ser que haya problemas...

(Gracias Manu por la información!)

7 (BASTARDOS) VIDEOS DEL 27 DE SEPTIEMBRE

• Trailer de "Malditos Bastardos" con muñecos Lego
• Melanie Laurent y Quentin Tarantino bailan en la alfombra roja de Cannes
• La inspiración de Tarantino; Trailer de "Aquel maldito tren blindado" ("Inglorious Bastards")
• Making off de "Malditos Bastardos"
• Trailer de "Stolz der nation", el ficticio film del régimen nazi
• Christoph Waltz, mucho mucho antes de ser el Coronel Hans Landa
• Tarantino presenta a Brad Pitt en San Sebastian

ERASE UNA VEZ...EN LA FRANCIA OCUPADA POR LOS NAZIS

Con “Malditos Bastardos”, el inefable Quentin Tarantino ha conseguido una película muy lejana a la cantidad ingente de disparos y muertes que su historia de cacería nazi prometía, o a lo que, paradojicamente, puede ofrecer “El orgullo de una nación” el ficticio film propagandístico sobre el que gira gran parte de la trama de la séptima cinta del director de “Reservoir Dogs”.

Canto de amor al séptimo arte, película de logrado suspense y enorme sentido del humor y obra coral donde los secundarios son mucho más que protagonistas, “Malditos Bastardos” es, en realidad, “la Segunda Guerra Mundial según Quentin”, un periodo clave de la Historia alterado libre y demencialmente para la ocasión y con el que de haber ocurrido así, muchos hubiéramos quedado tremendamente satisfechos y con una amplia sonrisa.

Fantasear es gratis y Tarantino ha jugado sus cartas preferidas para falsear de principio a fin la Historia y desembocar en un final majestuoso que permite el aplauso general por la intensidad de lo ofrecido y de todo lo ocurrido. Esas cartas las lleva pegadas Tarantino a la frente, y todos las conocemos antes de empezar la partida; largas y elaboradas secuencias (algunas de más de media hora), violencia explicita, interminables diálogos, humor, cóctel de temas musicales, algunos inesperados, personajes dispuestos a perdurar en el imaginario colectivo e infalibles planos marca de la casa (fetichismo por el pie femenino, plano-secuencia y contrapicado desde la óptica del muerto).

A estos se añade una clara división en capítulos, como si de Lars Von Trier se tratase, un ascendente uso del suspense y una excelente planificación escénica para dar resultado no a “la que posiblemente sea su obra maestra” pero si a una de las mas perfectas obras del director de “Kill Bill”.

Sergio Leone y Hitchcock se dan la mano en “Inglorious Basterds” y Tarantino, hace gala de su condición de cinéfilo empedernido y cineasta de gran talento, amén de un entusiasmo encomiable en cada uno de sus cinco capítulos. Desde su apertura con la colosal aparición del coronel Hans Landa, afortunadísimo y vil personaje perfectamente encarnado por el actor austriaco Christoph Waltz, hasta su memorable tramo final con el cine como arma donde convergen diferentes conspiraciones anti-nazi. Gran descubrimiento el de Waltz, galardonado con el premio interpretativo en Cannes, así como también el de Melanie Laurent en el papel de Shossanah Dreyfus, la proyeccionista idealista con sed de venganza, sentimiento que mueve la práctica totalidad de los actos realizados en la película.

Y ¿Brad Pitt?. Como Aldo Raine, cabecilla de los "Bastardos" su protagonismo es menor, dado que la presencia de este grupo de cazadores que dan título al film no es sino un mcguffin en toda regla, apareciendo en contados momentos y siempre con una clara connotación cómica. Un género, la comedia, donde mejor ha rendido Pitt y donde vuelve a sentirse como pez en el agua pronunciando su mandíbula hasta el infinito.

“Inglorious Basterds” es un puro divertimento surgido desde lo más profundo del propio cine. El que Tarantino y muchos de sus cinéfilos seguidores llevan en la sangre. Puede que ésta no sea su obra maestra, pero anda cerca.