29 de marzo de 2011
POSTERS QUE SEDUCEN



En las últimas semanas han aparecido una gran variedad de sugerentes carteles, entre los cuales se encuentran los pertenecientes a algunas de las películas que están llamadas a ser protagonistas del cine del 2011. Como en “El Séptimo Cielo” somos muy fans de la cartelería cinematográfica no queríamos dejarlos pasar.
Empezando por la cada vez más mística “The Tree of life”, (que encabeza este post) largo proyecto del poco frecuente Terrence Malick, que centrándose en la vida de una familia de los años 50 reflexionará acerca del origen del universo hasta nuestros días. Un argumento enigmático que protagonizan Sean Penn y Brad Pitt y cuyo cartel recoge un original y visual collage que suscita todavía más interés hacía la cinta de Malick.

No menos sugestivo es el teaser poster de otro peso pesado del cine actual. El manchego Pedro Almodóvar adapta a Thierry Jonquet en “La Piel que habito” donde la gran obsesión por el aspecto humano y un tanto de ánimo de venganza por parte de un cirujano plástico (Antonio Banderas) da pie a los hechos que Jonquet relata en la novela “Tarántula” y sobre los que Almodóvar parece haberse acercado muy libremente. El poster con aspecto de portada de libro de “Naturales” en EGB nos genera ansiedad por conocer más información sobre el estimulante nuevo proyecto del de Calzada de Calatrava.


Es lo que tiene ganar el Oscar; que te permite ser imagen única de un teaser poster. Es lo que le ha ocurrido a Penélope Cruz, protagonista de un poster individual de la cuarta entrega de “Piratas del Caribe” y a Natalie Portman, cuyo rostro aparece liderando dos blockbusters de primera fila, “Thor” y “Your Higness”.

Si anonadados nos dejó el reciente trailer de “Super 8” no menos sorpresa nos provoca el nuevo cartel de “Super 8”, la película “Spielberg´s style” que se ha sacado de la manga el gurú J.J.Abrams (“Lost”) bajo la producción del rey midas de Hollywood. Conociendo a Abrams, seguro que en este poster hay alguna pista de la misteriosa invasión que plantea la película, pero por mucho que giramos la cabeza no encontramos nada.


Es cierto que tras ver el trailer de lo nuevo de Woody Allen, “Midnight in Paris” uno de deja de tener cierta sensación de “deja vú”, algo que, tipografía aparte, no produce su cartel definitivo, que mezcla “La noche estrellada” de Van Gogh con la ciudad de Paris y con Owen Wilson, curiosa mezcla, ¿no creéis?.


Cerramos bloque de postres y abrimos el de portadas. Total Film se retrotrae varias décadas en su edición especial de Abril para ofrecernos tres portadas vintage (a lo Esquire o Life) con los protagonistas de “X-Men: Fist Class” la nueva mirada hacía la patrulla X orquestada por Matthew Vaugh (“Stardust”) y que reune a algunas de las mayores promesas de Hollywood (Michael Fassbender, January Jones, Jennifer Lawrence, Nicolas Hoult, etc.)
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28 de marzo de 2011
PECHOS, MIEMBROS Y PECES ASESINOS



Surgidas a raíz del éxito de “Tiburón” por obra y gracia de Joe Dante y John Sayles, las pirañas asesinas vuelven hoy a la carga de la mano del director francés Alexandre Aja, el cual parece divertirse escrutando las diferentes vertientes del cine de terror a las que versiona. Tras explotar el terror setentero adaptando (y mejorando) a Wes Craven en “Las colinas tienen ojos”, su alabado debut hollywoodiense, y el terror oriental con la desigual “Reflejos”, Aja toma ahora a la hermana pequeña de “Tiburón” para rediseñar el cine de entretenimiento norteamericano de finales de los 70 y principios de los 80 componiendo un remake que tridimensiona, y no únicamente en su formato, las características del original.

Porque esta “Piraña 3D” supone excesos y casquería como hacía tiempo que no veíamos en el cine palomitero, algo a lo que la pulcritud y extrema corrección que el cine ha venido experimentando desde hace años había ido relegando a su muy segundo plano.

Aja recupera vísceras y tetas y las muestra a plena luz del día, se recrea con el potencial mortal de los personajes que va introduciendo (unidimensionales, como mandan los cánones) y detiene sus planos en miembros seccionados. Al mismo tiempo el francés domina los tiempos y demuestra sus excelentes dotes para el cine de género y/o entretenimiento, explotando al máximo las posibilidades de un argumento tan simple y bobo como una fiesta en la playa de cuerpos perfectos y elevados decibelios.

“Piraña 3D” es un cachondeo bien traído. Dura lo que debe durar y tiene lo que debe tener. Un prólogo con homenaje a Richard Dreyfuss y a “Tiburón”, un desarrollo con equitativo protagonismo para pirañas y humanos, un uso lúdico de las 3D, una inmejorable elección de secundarios (desde Elizabeth Shue hasta el mismismo Chistopher Lloyd pasando por el inevitable Eli Roth), una “escabechina” cómica y muy gore donde Gregg Nicotero y Howard Berger se lucen y un climax final rápido y directo.


Aja se ha marcado un divertidísimo gore bajo la máscara de un remake ochentero que poco tiene que ver con la original pero que lo seguidores del género agradecerán por su condición gamberra y referencial. Ya se prepara una secuela en la que deseamos y confiamos en que el censor vuelva a no estar atento.
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23 de marzo de 2011
ADIÓS A ELIZABETH TAYLOR


Se cerraron los ojos violetas del cine. Cleopatra nos ha dejado todavía más huérfanos de mitos cinematográficos. La Taylor ostentaba tanta personalidad que a pesar de surgir coetaneamente junto a otros colosos de la pantalla como James Dean, Rock Hudson, Montgomery Cliff o Paul Newman fue capaz de estar más que a la altura de estos robando planos con su poderosa belleza y su atrayente mirada. Es cierto que su carrera se desvaneció antes de lo que su enorme magnetismo auguraba aunque sólo cabe citar títulos como "La gata sobre el tejado del zinc", "Gigante", "¿Quién teme a Virginia Woolf?" o "Quo Vadis" para enteder que durante un tiempo, el blanco y negro y el technicolor fueron suyos y sólamente suyos. Valgan estos siete momentos de su carrera como recuerdo. Descanse en paz.

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21 de marzo de 2011
EL "EMPANE" DE LOS CLONES

  • 3/21/2011
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Es “Nunca me abandones” una singular manera de acercarse a un tema muy querido y explorado por la ciencia-ficción; la clonación humana y su inherente debate acerca de la capacidad de sentimiento de las réplicas del hombre y su incertidumbre sobre lo mortal y lo inmortal.

Obviando por completo el género que más ha aprovechado las posibilidades de esta cuestión, “Nunca me abandones” aborda el tema desde una postura romántica y preciosista, mostrando un marco distópico inusual donde lo delicado y lo lírico sustituyen al universo gris y casi siempre apocalíptico con los que el cine y la literatura se han aproximado a estos futuros imperfectos.

Como si de una película de Joe Wright se tratase (es imposible no ver reflejado al director de “Orgullo y Prejuicio” o “Expiación” en este título), el director Mark Romanek opta por la belleza y la suavidad en la puesta en escena para enfatizar la historia de amor a tres bandas protagonizada por tres jovenes promesas de Hollywood, Carey Mulligan, Andrew Garfield (el próximo Spiderman) y Keira Knightley, en defecto de las múltiples posibilidades que el relato ofrecía a la hora de diseccionar el componente genético de la historia. No habría nada que objetar en este sentido, puesto que la novela de Kazuo Ishiguro de la que parte destaca precisamente por el tono bucólico, si no fuese porque la película de Romanek falla concretamente en su principal apuesta romántica, resultando “Nunca me abandones” una película aséptica y fría donde a la carencia de cualquier estudio sobre el ser humano de encargo se le une la ausencia de alma en sus personajes, de pasión en sus situaciones más relevantes.

Esta incapacidad de emoción, unido al tono lánguido del relato y al nulo interés de Alex Garland (guionista) y Romanek por, al menos, retratar las razones de esa sociedad distópica, (el personaje de Sally Hawkins, único capaz de plantear preguntas, desaparece por arte de magia) convierten a “Nunca me abandones” en una fallida y anodina narración, donde sus personajes jamás empatizan con el, muy probablemente desubicado, espectador, motivo por el cual seguiremos pensando en “replicantes” y no en “cuidadores” o “donantes” cuando de lo que se hable sea de seres de encargo que luchan por amar.

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18 de marzo de 2011
LA GENERACIÓN DEL 2011

TOM HARDY: Uno de los más veteranos de esta lista (33 años) lleva trabajando activamente en cine desde comienzo de la pasada década aunque no ha sido hasta su aparición en “Origen” cuando ha empezado a ser conocido popularmente. A Hardy, inglés de nacimiento se le pudo ver en sendos productos bélicos, “Hermanos de sangre” de Spielberg y Hanks y en “Black Hawk derribado” de Ridley Scott, o en barriobajeros títulos británicos como “Layer Cake” o “Rock´n rolla”, siempre en papeles menores. Fue su mutación para encarnar al peligroso ex boxeador y criminal Michael Peterson alias “Bronson” en el film homónimo cuando todos repararon en la poderosa y magnética figura de Hardy, siendo reclamado por Christopher Nolan para adentrarse en los sueños de “Inception” junto a gente de la talla de Di Caprio, Gordo Levitt o Cotillard. A partir de aquí, Hardy tiene el convertirse en héroe de acción hollywoodiense, o simplemente en actor de personajes que requieran de fuerte presencia en pantalla. De esta manera será Bane, el villano de la función en la tercera entrega del “Batman” de Nolan, un luchador de artes marciales en “Warrior” junto a Nick Nolte, un espía en “This Mean War” junto a Chris Pine y “Tinker, Tailor, Soldier, Spy”, el debut en Hollywood de Tomas Alfredson (“Déjame Entrar”) y un contrabandista en los años 20 en “The Wettest County in the World” de John Hillcoat (“La carretera”). Papeles que coronará con la cuarta entrega de “Mad Max: Fury Road” en la que Hardy recoge el testigo protagonista de Mel Gibson. Tenemos héroe para rato.

ROONEY MARA: Sólo ella ha sido capaz de no sucumbir y dar largas al mismísimo creador de Facebook, Mark Zuckeberg. Únicamente con el frenético dialogo inicial de “La red social” ya reparamos en esta refinada actriz de 26 años que ahora se ha transformado en una “punki” atormentada para volver a trabajar con Fincher en “The Girl with the dragon tattoo”. Efectivamente, ella es la versión americana de Lisbeth Salander en la nueva adaptación de “Millenium”, papel que le catapultará a la fama. Anteriormente la vimos en el remake de “Pesadilla en Elm Street” , como no, en la alabada película sobre facebook “La red social” y en pequeños papeles en “Youth in revolt” junto a Michael Cera o en la comedia independiente “Friends (With Benefits)”. Por cierto, Rooney es hermana de Kate Mara, otra joven promesa de Hollywood a la que vimos en “127 horas” o en la todavía inédita “Happythankyoumoreplease” dirigida por un tal Ted Mosby (Josh Radnor).


JENNIFER LAWRENCE: 21 años y 1 nominación al Oscar. Bagaje prometedor para Lawrence, la cual la descubrimos desmejorada cazando una nominación al Oscar en “Winter´s bone” para posteriormente sorprendernos con su belleza, proceso inverso al del resto de sus colegas de profesión. Antes de aparecer en este híbrido de géneros rural, Lawrence ya figuró en el debut en la dirección de Guillermo Arriaga, “Lejos de la tierra quemada” después de hacer pinitos en diversas series televisivas. Tras su candidatura a mejor actriz acaparará papeles de relevancia, como “The Beaver”, la extraña historia de un hombre unido a una marmota de marioneta que dirige y protagoniza Jodie Foster junto a Mel Gibson, o siendo Mistica en “X-Meen: Fist Class” el acercamiento de Matthew Vaugh hacía la patrulla X. Oliver Stone la quiere para su próximo proyecto “Savages” y será la protagonista de "The Hunger Games", largometraje futurista con ecos a "The Running Man" de Stephen King. Mientras ella no abandonará el terreno que le ha dado el empujón definitivo, el indie americano, con títulos como “The Seventh son” al lado de Jeff Bridges y Alex Pettyfer o “Truck Stop” junto a la oscarizada Melissa Leo.


ROBERT SHEEHAN: El que haya visto “Misfits” entenderá lo gran actor de comedía que Robert Sheehan puede llegar a ser. Cogiendo un personaje de por sí carismático, Sheehan le añade espontaneidad y las dosis justas de sobreactuación. De momento, Sheehan solo es el irreverente y muy querido Nathan de “Misfits” surgido de la interminable cantera de la cadena británica E4, aunque Hollywood ya la ha empezado a probar en títulos como “En tiempo de brujas”, el film medieval protagonizado por Nicolas Cage. Antes, Sheehan apareció en “Cherrybomb”, drama generacional junto a Rupert Grint (Ron Weasley en “Harry Potter”) o en la recomendable miniserie televisiva “Red Riding”. Mientras esperamos la llegada de la tercera temporada de “Misfits”, Sheehan protagonizará, como buen irlandés, “Killing Bono”, la historia de dos bandas amateur que pretender llegar a ser algo en el mundo de la música, lográndolo solamente una de ellas llamada “U2”.


BENEDICT CUMBERBATCH: Otro gran talento surgido de la cantera televisiva inglesa. Cumberbatch tras forjarse como actor teatral, como buen hijo de actores británicos que es, ha encontrado en su paisano Sherlock Holmes y en la ágil serie de la BBC, “Sherlock” de Steven Moffat su trampolín hacía un reconocimiento mayor. Anteriormente ya había deslumbrado encarnando a personajes de la talla de Stephen Hawking en la serie de la BBC, “Hawking” o Van Gogh en “Van Gogh: Painted with Words” y apareciendo en pequeños papeles en títulos como “Expiación”, “Las hermanas Bolena” o “Creation”. A su demostrado talento, Cumberbatch une un rostro atípico que puede encajar en muy diversos registros, de ahí que su agenda esté repleta de cara a un futuro cercano: será el protagonista de “Tinker, Tailor, Soldier, Spy”, junto a Tom Hardy, coprotagonista en “The Whistleblower” junto a Rachel Weisz, Vanessa Redgrave y Monica Belluci, y por si fuera poco, Spielberg ya le ha echado el ojo figurando en el reparto de la próxima cinta del rey midas de Hollywood, “War Horse”. Mientras goza de su incipiente éxito, Cumberbatch se entretiene en las tablas londinenses encabezando junto a Jonny Lee Miller (“Dexter”) una versión teatral de "Frankenstein" dirigida por Danny Boyle.


HAILEE STEINFELD: 14 años tiene esta todavía estudiante de instituto y confesa seguidora de Justin Bieber. Hailee Steinfeld, sorprendió a propios y extraños con su decidida interpretación de Mattie Ross en la versión de “Valor de Ley” dirigida por los hermanos Coen. Tratandose de su debut en pantalla grande, Steinfeld mostró el suficiente descaro como para convertirse en una réplica a la altura de Jeff Bridges, actuación que le valió una nominación al Oscar en la categoría de Mejor Actriz Secundaria. Aunque todavía no ha confirmado ningún próximo proyecto, apostamos por Steinfeld como actriz de futuro. Su nominación le facilitará mucho el camino.



NICOLAS HOULT: Poco queda de aquel crío marginado y acomplejado que entablaba amistad con Hugh Grant en “Un niño grande”. Nicolas Hoult es ahora uno de los rostros más conocidos del último reparto de la serie de E4, “Skins”, inagotable fuente de actores británicos además de comenzar a acumular personajes secundarios en grandes producciones de Hollywood. Antes de “Skins”, Hoult apareció en la sueca “Wallander” serie protagonizada por Kenneth Branaght y reparamos su estirón físico gracias a sus intervenciones en “Un hombre soltero” y “Furia de titanes”. Entre sus próximos proyectos se encuentran “X-Men: First Class” donde será “Bestia”, “Jack the giant killer” de la cual será el protagonista al lado de Ewan Mcgregor o Stanley Tucci dirigidos por Bryan Singer o la nueva entrega de “Mad Max”, “Fury Road”, al lado del ya mencionado Tom Hardy.


ZOE KRAVITZ: Su apellido la delata. En efecto, Zoe es hija del cantante de “Are You Gonna Go My Way” o “American Woman”, Lenny Kravitz. Lo que no queda tan claro es que también es hija de Lisa Bonet, la pequeña Denise de “La hora de Bill Cosby”, a la que también vimos en “El corazón del Ángel” o “Alta Fidelidad”.Zoe apareció por primera vez en pantalla en el papel de yonki en “La extraña que hay en ti” junto a Jodie Foster. Acumuló pequeños papeles en “Sin reservas”, “El mejor” o la generacional “Twelve” de Joel Schumacher. Se convirtió en personaje recurrente en la serie sobre las andanzas de Hank Moody, “Californication”, y lo más importante, estará en los dos proyectos en los que todas las jovenes promesas de Hollywood están; “X-Men, First Class” y “Mad Max: Fury Road”. Zoe mantendrá vigente el apellido Kravitz durante los años venideros.


ALEX PETTYFER: Antes modelo de anuncios publicitarios que actor, Pettyfer de 20 años debutó siendo Alex Ryder en la adaptación juvenil “Alex Ryder: Operación Stormbreaker”. Dos películas de 2011 lo catapultarán al estrellato más adolescente y púbere, “Beastly”, una versión “crepúscularizada” de la Bella y la Bestía y “Soy el número 4”, adaptación de las novelas de ciencia-ficción dirigida por DJ Caruso (“Disturbia”) donde Pettyfer es el personaje de “Número 4” que da nombre a la saga. Repetirá género en “Now”, otra de ciencia-ficción del ya experto Andrew Niccol, junto a Olivia Wilde, Amanda Seyfried y Justin Timberlake. Competirá con Chris Pine y Shia Laboeuf por ser el protagonista de “Preacher” la muy esperada adaptación del comic de Garth Ennis y Steve Dillon que puede lanzar definitivamente la carrera de este rubio llamado a llenar carpetas de instituto.


ABBIE CORNISH: Primero fue profeta en su tierra, Australia, gracias a la televisiva “Life Support” y en el film “Somersault”. Junto a otro australiano, el fallecido Heath Ledger, protagonizó el drama indie y premonitorio “Candy” para desde ahí emprender viaje definitivo a Hollywood el cual puso sus ojos en la denominada “nueva Nicole Kidman”. “Un buen año” de Ridley Scott supuso su debut americano, disputándole la herencia a otro paisano, Russel Crowe. Estuvo en dos films británicos de época, “Elizabeth, la edad de oro” y “Bright Star” de Jane Campion así como en un drama adolescente sobre la guerra de Irak, “Ausente”, junto a Ryan Phillipe y Joseph Gordon Levitt. Destaca especialmente en su último papel para la femenina y guerrera, “Sucker Punch” donde demuestra su versatilidad y ya es cabeza de cartel junto a De Niro y Bradley Cooper en el thriller “Sin Límites”. Será la protagonista de la película que dirigirá Madonna, “W.E” y ha sonado para aparecer en la nueva y todavía insegura entrega de “Alien” y como chica Bond.


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14 de marzo de 2011
SECUESTRADOS: HORROR COTIDIANO

  • 3/14/2011
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Tápense los ojos, tengan bien claro que lo que ven es ficción aunque pueda no parecerlo y sobre todo no vean esta película si viven en una urbanización de diseño en las afueras de su ciudad. “Secuestrados” no es la producción de terror español que el espectador puede esperar. Al menos no es la producción de género que Filmax suele ofrecer.

Como “rara avis” de nuestro cine, la cinta de Miguel Ángel Vivas va un paso más allá de lo que estamos acostumbrados, abrazando una vertiente del cine de género poco (o nada) practicada en España pero bastante más frecuente en el resto de cinematografías. Es la mirada de Haneke y en concreto “Funny Games”, las francesas y retorcidas “Ils”, y "A l'interieur” o la americana “Los extraños” los inevitables referentes de “Secuestrados”, todas ellas películas donde la tranquilidad del hogar es alterada por una amenaza exterior. Todas ellas cintas incómodas a las que el cine español nunca se había atrevido a mirar a la cara.

El conocido como secuestro express, una práctica de asalto y extorsión a, generalmente, empresarios y hombres de negocios consistente en hacerse con todo el dinero posible de sus tarjetas de crédito o cheques, es el desencadenante de los hechos de “Secuestrados”.

Vivas apuesta fuerte por el plano-secuencia, la pantalla fraccionada (probablemente la decisión más discutible de todas las tomadas por el director sevillano), la cámara al hombro y por el extremo realismo formal para narrar en escasos 80 minutos el citado secuestro. No habrá concesiones ni interrupciones, solamente un relato unidireccional áspero y violento, estructurado como es debido; una rápida presentación de unos personajes que reúnen los tics propios de la clase alta, la (muy) lógica sucesión de situaciones que desencadena el secuestro y un climax final especialmente indigesto, crudo y valiente. En definitiva, un tenso y eficaz híbrido entre el terror cotidiano y el relato de supervivencia que más allá de las acertadas y ajustadas decisiones de su director se sustenta en unas interpretaciones llenas de credibilidad (Ana Wagener, Fernando Cayo y especialmente Manuela Vellés) y en uso excelente de la puesta en escena y el sonido.

La llegada de “Secuestrados” es una grandísima noticia para el fan del cine de género que solamente encontraba títulos de estas características más allá de nuestras fronteras, además de descubrirse como una obra inusual y arriesgada para nuestro desaplicado cine capaz de ofrecer una experiencia auténtica y novedosa a su habitual espectador, si es que este puede soportar la crudeza de sus imágenes.
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13 de marzo de 2011
PARECIDOS RAZONABLES: HYUNDAI Y KIKUJIRO

  • 3/13/2011
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Cada vez que aparece en la tele el anuncio del nuevo Hyundai ix35 nos viene a la mente la banda sonora que compuso el japonés Joe Hisaishi (el músico habitual de Miyazaki) para la película de Takeshi Kitano, "El verano de Kikujiro". Uno de los scores más bellos de la década de los 90 que ahora la marca coreana adapta, versiona, homenajea o plagia (elegir vuestra propia opción) para el spot de su flamante vehículo. Valga un anuncio de coches para reivindicar esta impecable banda sonora.
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10 de marzo de 2011
LA "HAMMER" MANCILLADA



No está siendo afortunada la resurrección de la legendaria productora Hammer. Primeramente fue un remake (digno, pero remake al fin y al cabo) de la sueca “Déjame entrar” y ahora un pseudothriller muy propio para las sobremesas de Antena 3, titulado “The Resident”, los que han devuelto a la actualidad a esta creadora de importantes films de terror y suspense.

En concreto este segundo título, protagonizado por Hillary Swank y Jeffrey Dean Morgan, viene a empañar el nombre de tan reputada compañía y a hacernos temer lo peor para títulos posteriores.

Contando una historia a la que próximamente Jaume Balagueró sacará un mayor y mejor provecho con “Mientras Duermes”, “The Resident” narra la llegada a un nuevo hogar de Juliet, una joven doctora que intenta olvidar su reciente separación. Entablará una relación con su encantador casero, Max, un tipo que esconde tras él un depravado comportamiento.

“The Resident” coge los elementos típicos del género y los machaca sin piedad repitiendo hasta la saciedad situaciones que únicamente sirven para el lucimiento de la protagonista de “Million Dollar Baby”. Así encontramos a una chica sola en un apartamento expuesta continuamente a una amenaza que conocemos desde el primer minuto (y que sin embargo posteriormente un extenso flashback de un par de minutos nos subrayará), golpes de sonido que buscan el susto fácil, ancianos vecinos de los que sospechar y rincones estratégicamente ocultos desde donde espiar. Elementos que el guión no ordena consecuentemente y con los que un inexperto director (el debutante Antti Jokinen) no sabe jugar. El ridículo se transforma en bochorno cuando presencias como las de Christopher Lee, leyenda viva de la mítica compañia, son reducidas a la nada (es especialmente preocupante como un actor de su talla es eliminado repentinamente de la pantalla porque el guión no sabe que hacer con él) y cuando su elongadisima secuencia final intenta llenar el metraje de una historia que no daba ni para 80 miserables minutos.

De esta manera “The Resident”, cuyas bazas parecían, a priori, factibles para un film minimamente interesante, resulta ser un vergonzoso y risible film de suspense altamente apropiado como producto televisivo de medio pelo y no como título que contenga la etiqueta Hammer en su conjunto.

Confiemos en que “Wake Wood”, una historia de fantasmas rodada en 2009 y “The Woman in black”, una de terror victoriano protagonizada por Daniel Radcliffe (AKA Harry Potter) venga a arreglar la mancillación que una productora tan querida por los seguidores del cine de género está sufriendo.
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9 de marzo de 2011
7 VIDEOS DEL 9 DE MARZO

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7 de marzo de 2011
LA POSTGUERRA SEGÚN VILLARONGA



Estrenada el 15 de Octubre sin mucho ruido y repercusión, “Pa Negre” de Agustí Villaronga fue vista por 150.000 espectadores, recaudando 850.000 euros. Tres meses después, con su vida comercial prácticamente cumplida y a punto de engrosar la larga lista de títulos españoles olvidados, las 14 nominaciones al Goya para la cinta de Villaronga provocaron la primera señal de atención hacía esta película de postguerra de la que pocos habían oído hablar. En ese momento, “Pa Negre” sólo se proyectaba en 10 salas de Cataluña, cifra que se aumentó hasta las 40 copias que se convirtieron en 100 con su triunfo en los Premios Goya. Es lo que tienen los premios. “Pa Negre” es ahora proyectada en toda España con mejores cifras en taquilla de las que pudo obtener en su estreno y comparte presencia en videoclubs con su propia llegada al mercado de dvd.

La película post-bélica de Villaronga basó su victoria en los Goya en el reconocimiento a la carrera de un director singular y de escaso eco público por parte de la industria del cine español, en la diferenciación que supone la descentralización de la habitual crónica de postguerra de nuestro cine y en un sólido e inspirado grupo de actores que dotaron de credibilidad y sufrimiento a sus personajes. También, para que negarlo, en la escasa cosecha del 2010 donde ningún título español destacó especialmente.

“Pa negre”, como “La lengua de las mariposas” de José Luis Cuerda, como “El laberinto del fauno” de Guillermo del Toro supone el acercamiento particular de su director a una cruda etapa de nuestra historia desde un punto de vista contrapuesto, el de la mirada infantil e inocente (la del niño Francesc Colomer). Villaronga alterna el relato de represión, miedo y dolor de la postguerra, mil veces visto en el cine español, con una subtrama de investigación. Es en este relato secundario, y más concretamente en el recuerdo onírico y fantasmal del misterioso personaje de Pitorluia, donde reconocemos al Villaronga responsable de “Tras el cristal” o “El Mar” y en donde temas recurrentes de su cine, como homosexualidad, tragedia, tortura se apuntan de manera más o menos directa.

El universo del realizador mallorquín está, por tanto, presente en “Pa Negre”. Se respira en su atmósfera viciada, en su sociedad tullida y maltratada por la guerra. Ahí reside la principal diferenciación de “Pa Negre” con el resto de títulos de su especie, a pesar su incapacidad a la hora de evitar pasajes manidos por este subgénero como ese malvado (y de escasa aportación) Sergi Lopez, o ese vendido profesor de escuela (Eduard Fernandez) que serán compensados con los matices morales y la ambigüedad presente en los personajes de Nora Navas, Roger Casamajor, Laia Marrull, los cuales refuerzan la lectura de “Pa Negre” y la convierten además en una película de brillante coralidad.

“Pa negre” es, efectivamente, la enésima mirada del cine español a la postguerra, pero al tiempo, la primera de un director siempre sugestivo, Agustí Villaronga.
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